Queridos lectores hoy os traigo música para despedir el año de manera genial... Y es que el Murcielago es una obra perfecta para dejar el año que muere, porque tenemos mucha fiesta, alegria y situaciones cómicas, además que la tradición asoció a los Strauss Vieneses la entrada de año, como veremos mañana desde el Konzertverein. Pero que os digo si además dirige Carlos Kleiber, y cantan Lucia Popp, Julia Varaday, Rene Kollo o Hermann Prey. Ya sabeis no podeis dejar esta oportunidad de dejar el año escuchando una maravilla de semejantes proporciones...
DIE FLEDERMAUS Johann Strauss Jr.
Eisenstein Hermann Prey Rosalinda Julia Varady Adele Lucia Popp Ida Evi List Alfred Rene Kollo Falke Bernd Weikl Blind Ferry Gruber Frank Benno Kusche Frosch Franz Muxeneder Orlofsky Ivan Rebroff Karikoni Ole D. Doffen Ivan Nikolai Lugowoi
Chor und Orchester der Bayerische Staatsoper Carlos Kleiber
Bueno ahí lo teneis, así que a disfrutar, queridos lectores que tengais una buena entrada en el 2008 y ya nos leemos mañana, escuchando Valses desde Viena, jejejeje... PD: Se me olvidaba que la grabación, me fue proporcionada por Sharpless, cuando estuve en su casa hace una semana, así que el 50% de las gracias, le corresponden a él, juas, juas, juas.
Queridos lectores, hoy os traigo una joya de la historia de la ópera, a petición de Larrel, pero que también incumbe a Sharpless. Se trata de los Maestros que dirigiera en Bayreuth, el director franco-belga André Cluytens y un repartazo de lujo que incluía a Hotter (en su única prestación como el carismático zapatero), Windgassen, Schmitt-Walther, Fischer-Dieskau (como Kothner), Stolze, Brouwetjin, etc. Pero además de la música, esta grabación tiene historia particular y es que esa representación de los Maestros de 1956 fue considerada lo peor de lo peor por aquellos que ya esperaban algo malo de manos del enfant terrible, Wieland Wagner. No sólo fue más flagrante que nunca la ruptura con las tradiciones y el estilo del Nuevo Bayreuth más insultante, sino que además fue una clara afrenta a los sentimientos nacionalistas.
Para empezar la producción de Wieland Wagner de los Maestros Cantores desmanteló Alemania poniendo la “Alemania musical” patas arriba. Pues la tradición era respetada en el primer acto, pero después, era violentamente zarandeada en el segundo y arrojada al polvo en el último. Los Maestros Cantores que era el último bastión de la vieja ortodoxia de las producciones wagnerianas ahora se habian rendido a la embestida del nuevo estilo. Muchos críticos y aficionados alemanes la denominaron -y que dicho sea de paso a mi me encanta- “Los Maestros Cantores sin Nuremberg”.
La escenografía del primer acto recordaba el arte alemán gótico tardío de una manera encantadora y muy personal. Era realista y funcional pero también muy original y agradable a la vista. Es en el segundo acto cuando las cosas empiezan a cambiar. En lugar de la estrecha calle tradicional, se vió un pequeño espacio en forma de riñón empedrado como una calle, en medio de un escenario vacío, y sobre él, en el aire, sin nada que la una a la tierra una gran bola de hojas y flores ¿una especie de saúco del mundo? –preguntó un crítico del NYTIMES-, que flota en el intenso azul de un cielo de medía noche. Walther y Eva no se pueden esconder “unter den Linden” (bajo el tilo) por que simplement no hay tilo. Hans Sachs, privado de su taller, se sienta en un a pocos metros de distancia de los enamorados. El decorado, aunque no muy práctico, posee sin embargo una belleza impresionante y permite que la magia de la noche de San Juan hechice a los espectadores y les haga evocar el Nuremberg que Wieland evitó representar físicamente. En la época chocó muchísimo la escena final. Habian desaparecido la llanura, los gremios, las trompeterías, los estandartes de colores y el pueblo llegando en botes por el río. Lo que se vió es la sección de un anfiteatro amarillo, con asientos escalonados, desde los cuales el pueblo, vestido de forma idéntica, contempla, como si se tratase de un circo o de un partido de fútbol, las estilizadas danzas que se desarrollan en la pista. Como espectáculo tiene, es indudable, un cierto aséptico esplendor. El mal humor de los espectadores se fue caldeando de acto en acto. La última escena fue considerada la más ofensiva ya que no aparecía ninguna vista al fondo del “amado” Nuremberg. De aquí el comentario de que Wieland había producido unos “Maestros Cantores sin Nuremberg”. Cuando cayó el telón, el Festspielhaus fue testigo del primer abucheo de su historia. Para los fanáticos wagnerianos y los políticamente conservadores que en su mayoría eran los mismos, la representación había supuesto una parodia de la creación de Wagner. Incluso peor, aquello era una humillación política ya que suponía restregar en las narices a la audiencia qué por razones evidentes, el Nuremberg de los Maestros Cantores ya no existía. El crítico musical del Die Zeit, Walter Abendroth, que en los días del Nacional Socialismo había ensalzado “el imperecedero espíritu germánico” de la producción de los Maestros de 1934, se sintió indignado y escribió en un articulo que fue muy comentado: “¿Quien defenderá a Wagner en Bayreuth?”. El derechista “Partido Alemán” llegó a desenterrar la expresión “arte decadente” para denigrar la representación. El segundo funcionario de más categoría del Ministerio de Justicia de Baviera se quejó de que aquello había ido más allá de los límites de la libertad artística y calificó de escandaloso el que el Festival recibiese apoyo financiero oficial. Pero fue Moritz Klönne, presidente de los Amigos de Bayreuth, el que hizo patente su escándalo en una carta a Wieland. “Bayreuth es un templo de la cultura alemana”, escribió “y los Maestros Cantores la más alemana de la óperas de Wagner. Esto no lo puede usted cambiar con su pretendido “romanticismo internacional”. Aquí se encontraba la prueba, si alguna era necesaria, de que los sentimientos de la vieja guardia no habían variado en un siglo, que nada habían aprendido y que nada habían olvidado. Klönne no se conformaba con esto, también enumeraba un inventario de escenografías tradicionales que los Amigos querían de vuelta en el escenario del Festspielhaus. Si esto no se hacía, continuaba de forma amenazadora, sus lazos con Bayreuth se romperían e irían a cualquier otro lado para tener sus Maestros Cantores. Wieland le replicó, con un desdén sin contemplaciones, que había decidido desde el principio que sí la derecha política y operística querían usar a Bayreuth como su reducto cultural, lo habrían de hacer sometiéndose a sus puntos de vista artísticos. Esta era la clásica “concesión” al viejo estilo de Bayreuth.
Vocalmente fue impresionante, pues se contaba con uno de los mejores repartos de la historia. Hans Hotter cantaba por primera y última vez un Sachs impresionante, melancólico, aunque con ciertos problemas de caracterización que Wieland no consiguió solventar, aunque los monólogos los canta con un estilo inigualable, como solo él sabía. El Walter de Windgassen, es el mejor de toda la discografía, joven y lírico pero arrogante e impetuoso, el von Stolzing era el artista que venía a cantarles las cuarenta a los viejos y al que solo era capaz de entender el viejo Sachs. Schmitt-Walther, el Beckmesser paradigmático del Nuevo Bayreuth otrora Wolfram von Esenbach, cantó un escribano simpático, sin caer en las “trampas” antiguas… Josef Greindl, futuro Sachs y Pogner de antología, canto el orfebre seriamente y con ese toque paternal que el sabía darle. Gerhard Stolze es David, no un “pijo mozartiano” como Antón Dermota (=> grabación con KNA), sino el aprendiz metomentodo, pero de buen corazón y que se deja regañar por la Magdalena de von Milinovic, de gran calidad escénica. La Eva de Brouwenstijn, es interesante, aunque poco áspera si la comparamos con Elisabeth Grümmer, pero bien planteada y con mucho gusto. Y el último de los que merece ser reseñados es el incomparable Dietrich Fischer-Dieskau, que cantó el portavoz de los Maestros, Kothner, con gran poesía y sin rudeza, en su lectura de las LEGES TABULATURAE. Los “Pitzianer” hicieron lo que sabían hacer, cantar y a una indicación de Wieland, olvidaron el pasado. Cluytens cierra una noche redonda con una dirección francesa, de esas que le encantaban a Wieland, con gran maestria y sacando el máximo posible a la orquesta del Festpielhaus. Aquí va la grabación:
R.Wagner Meistersinger von Nürnberg Festspielhaus Bayreuth·1956
Director: André Cluytens Regie: Wieland Wagner
Hans Sachs- Hans Hotter Veit Pogner- Josef Greindl Kunz Vogelgesang- Josef Traxel Konrad Nachtigall- Egmont Koch Sixtus Beckmesser- Karl Schmitt-Walter Fritz Kothner- Dietrich Fischer-Dieskau Balthasar Zorn- Heinz-Günther Zimmermann Ulrich Eißlinger- Erich Benke Augustin Moser- Josef Janko Hermann Ortel- Hans Habietinek Hans Schwarz- Alexander Fenyves Hans Foltz- Eugen Fuchs Walther von Stolzing- Wolfgang Windgassen Eva- Gré Brouwenstijn Magdalene- Georgine von Milinkovic David- Gerhard Stolze Ein Nachtwächter- Alfons Herwig
Queridos lectores, Hermann Prey es uno de mis cantantes fetiche y todo porque gracias a él conocí uno de mis papeles preferidos, el de Sixtus Beckmesser. De hecho recuerdo que leí su obituario, cuando empecé a escuchar la grabación de Maestros Cantores en un VHS que me había costado unas 10.000 pts y que había comprado en una visita a Madrid. Poco a poco fui escuchando más cosas de este genial barítono, primero lied, despues Wagner y más repertorio alemán, amen de su Gabriel von Einsenstein. Mi amigo Alfonso, me trajo de Viena una autobiografía en alemán (lo primero que leí en alemán con cierta dificultad, pero lo solventé) de la que saque mcuhisimos datos interesantisimos de este gran baritono alemán.
Por eso a pocos días de acabar el 2007 os ofrezco un recital que pesqué hace años por el Filetopia, y que lo tenía en un Backup de seguridad, guardado y sin saber de su existencia. Y es que mi obsesión por la Ciudad Muerta me llevó a pensar que yo ya había escuchado antes y por la misma voz la canción de Pierrot... El caso es que si y estaba en este recital!!! Este LP, "resalvado del olvido" creo por Mike Richter, es del sello Columbia y está fechado en 1961. En el nos canta este gran baritono sus emblemas hasta la fecha, como su Papageno, una de Kreutzer, una de Kienzl, una simpatiquisima de Humperdinck y lo mejor los dos momentos de Wolfram von Esenbach, que en esos momentos debutaba en el Festival de Bayreuth. Amen de la canción de Pierrot... Un programa indescriptible que harán las delicias de cualquier aficionado a este gran baritono.
Hermann Preysings German Opera arias Columbia SMC 80 675 - Berlin - 1961 - Horst Stein
Zauberflöte "Der Vogelfänger bin ich ja" Nachtlager von Granada "Ein Schütz bin ich" Hans Heiling "An jenem Tag" Zar und Zimmermann "Verraten von euch, verraten! ... Die Macht des Szepters" Wildschütz "Wie freundlich strahlt ... Heiterkeit und Fröhlichkeit" Tannhäuser "Blick ich umher" Tannhäuser "Wie Todesahnung ... O du, mein holder Abendstern" Trompeter von Säkkingen "Behüt dich, Gott" Königskinder "Verdorben! Gestorben!" Tote Stadt "Mein Sehnen, mein Wähnen"
Queridos lectores quiero dedicar el post a Benazir Bhutto, la ex-primera ministra asesinada en Pakistan ayer. Un acto tremendo que traera consecuencias... Esperemos que vaya pronto la democracia a Pakistan. Así pongo este artículo de AMIR MIR, espero que sirva para recordar a una auténtica habitante de la Bactria.
Benazir Bhutto. (Foto: EFE) Actualizado jueves 27/12/2007 15:06 (CET) AMIR MIR JULIA ARÉVALO LAHORE (PAKISTÁN).-La de Benazir Bhutto es una figura en la que las luces pesan tanto como las sombras. Sus ansias de libertad para el país que la vio nacer se entremezclan de forma confusa con las acusaciones de corrupción.
La ex primera ministra paquistaní fue la primera mujer en regir los destinos de un Estado islámico, al que regresó el 18 de octubre de 2007 con la intención declarada de llevarlo por la senda de la democracia, aunque fuera de la mano del general Pervez Musharraf. Su regreso fue trágico: un doble atentado suicida contra ella se cobró la vida de cerca de un centenar y medio de personas en Karachi. Ella salió ilesa.
Con sólo 35 años, Benazir se convirtió en 1988 en jefa del Gobierno de Pakistán tras tomar el testigo político de su padre, Zulfikar Ali Bhutto, primer ministro en la década de 1970, apartado del poder y ejecutado por el dictador Zia Ul Haq.
Atractiva y brillante, Benazir encabezó dos gobiernos (1988-90 y 1993-96), pero no logró completar ninguno de sus mandatos, presionada por acusaciones de rampante corrupción, de las que escapó optando por el exilio a principios de 1999.
Conocida por el apelativo familiar de 'Pinkie', aunque le gustaba ser llamada 'la hija del Este', Benazir nació en Karachi el 21 de junio de 1953 y recibió su formación universitaria en Ciencias Políticas en Harvard y Oxford. Con 24 años regresó a su país, donde vio a su padre derrocado por Zia en pocos meses y ejecutado dos años después, momentos en el que ella, la hija mayor, asumió la dirección del Partido Popular de Pakistán (PPP) que su padre había fundado en 1967.
Sufrió entonces largos periodos de prisión o arresto domiciliario, hasta que en 1984 partió al exilio en Londres, de donde regresó dos años después para recibir una apoteósica bienvenida de un millón de personas en Lahore. La educación occidental que recibió fue asimilada y compartida con las costumbres de su país: en 1987 se casó con Asif Zardari, en un matrimonio acordado por ambas familias. «A un matrimonio arreglado acudes con pocas expectativas, y esto, en cierta medida, hace más fácil la convivencia», razonaba Bhutto sobre su casamiento.
Bhutto, en un mitin, el pasado 23 de diciembre. (Foto: AFP) La muerte del general Zia en un accidente de avión en agosto de 1988 y la celebración de elecciones la catapultó al poder el 2 de diciembre de ese año, pero el 6 de agosto de 1990 el presidente Ishaq Khan la destituyó acusándola de abuso de poder, nepotismo y corrupción, disolvió la Asamblea y convocó nuevos comicios.
Bhutto recordaba aquellos momentos con las siguientes palabras: «Mi carácter es muy luchador, cuando más dificultades tengo más ganas de vencer me nacen. Cuando me arrinconan contra la pared, más puedo luchar». Volvió al poder en octubre de 1993, pero en tres años fue de nuevo destituida por corrupción, mala gestión económica y por la muerte extrajudicial de detenidos.
La líder de los pobres paquistaníes, como se la ha descrito en ocasiones, optó entonces por abandonar Pakistán para un «exilio voluntario» que sólo acabó en octubre de 2007, tras casi nueve años, después de garantizarse una amnistía del presidente Pervez Musharraf. Dejó atrás a su marido, conocido por los paquistaníes como el señor 10% por las comisiones que cobraba para facilitar contratos públicos, quien pasó varios años en la cárcel antes de unirse a ella en el exilio en 2004.
Aunque Benazir fue condenada en Pakistán, en 1999 y 2001, por corrupción y evasión de la Justicia, las sentencias fueron anuladas por tribunales superiores. Este año aún seguían abiertos varios procesos contra los Bhutto por corrupción, cuyo cierre ha ordenado Musharraf.
Pese a repudiar la dictadura de Musharraf durante estos años, en que siguió presidiendo el PPP, la principal fuerza de oposición en el Parlamento, desde el exilio en Dubai y Londres, Benazir terminó negociando con el presidente y jefe del Ejército paquistaní. Su acuerdo de reparto de poderes con Musharraf, el que fuera su enemigo, defraudó a muchos en Pakistán, que concibieron como una traición que pactara con los militares que acabaron con el Gobierno y la vida de su padre. Este pacto dio alas a quienes la habían acusado de oportunista con sed de poder.
Incluso miembros de su familia han lamentado en privado la actitud de Benazir, a la que han criticado por su testarudez e incapacidad para seguir los consejos de quienes conocen el Pakistán de hoy, pese a los muchos años, 19, que ella vivió en el extranjero. Tras su regreso, prometió devolver Pakistán a la democracia y no ocultó su intención de convertirse en primera ministra por tercera vez, tras las elecciones generales de enero de 2008, aunque para ello hiciera falta una enmienda a la Constitución supuestamente incluida en el pacto con Musharraf.
La ex primera ministra, asesinada en atentado el 27 de diciembre de 2007 era madre de tres hijos, un varón al que llamó Bilawal (1988) y dos féminas: Bajtawar (1990) y Asafa, quien nació en Londres en 1996.
Queridos lectores, reconozco que estoy muy vago y no me apetece pensar. Así que como estamos en navidades y toca tema religioso, entreguemonos al aria de Abigaille cantado por una de las mejores voces de la actualidad, Maria Guleghina, que da el físico y la voz a este personaje tan truculento...
yo iría mucho más por allí. Imaginaos esta música mezclada con la luz de una vidriera y el fuerte aroma a incienso. Parafraseando a mi querido Sharpless, hasta podría resultar hasta erótico. Así normal que en el barroco hubiese tantísimos extasis místicos...
Y ahora decidme, que preferis, esto y la estética contrarreformista o los guitarreros y un cura progre?
Queridos lectores, se que esto no le va a gustar a muchos, pero así es el mundo. Vaya regalo de navidad, pero vaya regalo... Será para el 25 de Enero, cuando Calixto, el director estrella español del momento, haga su primer Wagner. Esperemos que sea el comienzo de una larga lista, porque el talento de Bieito en Wagner no va a tener desperdicio... Y lo mejor es que seguro que no deja indiferente a nadie. A ver si lo llama ya, para Bayreuth, Katherina Wagner. Y por favor vuelve pronto el Real para fastidiar a las viejas de rancio abolengo que os insultaron a ti y a Sánchez Verdu.
In bocca al lupo, Calixto!!!!
Si tuviera algunos € más, iría a verlo sin dudarlo...
RICHARD WAGNER
DER FLIEGENDE HOLLÄNDER
ROMANTISCHE OPER IN DREI AKTEN (DRESDNER FASSUNG) Text vom Komponisten
Besetzung Der Holländer Yalun Zhang, Senta Barbara Schneider-Hofstetter Donald Attila Jun Georg Lance Ryan Mary Hilke Andersen Der Steuermann Heinz Göhrig
Queridos lectores, aunque yo carezco de espiritu navideño, me siento obligado a felicitaros y desearos unas felices navidades con un poco de estética, ya que yo no gasto de Gordos Borrachos y renos drogados, juas, juas, juas...
Así que lo primero es algo visual, como es la Natividad Mística de Sandro Boticelli:
Y ahora algo auditivo como son los momentos exultantes de la Gran Misa en Do m K 427 de Mozart:
Queridos lectores vamos llegando a la navidad y bueno, que cosa más tradicional que un Mesias (obra que estos dias se escucha hasta la saciedad). Os propongo varios fragmentos de la primera parte de esta gran obra:
King's College Choir The Brandenburg Consort Stephen Cleobury
Comfort ye...Ev'ry valley · John Mark Ainsley (tenor)
And he shall purify...O Thou that tellest · Hillary Summers (Alto)
Behold a virgin shall concibe · Brian Asawa (Alto) · Les Musiciens du Louvre Grenoble : Mark Minkowski · Del film de William Klein
For unto us child is born · Academy of Martin in the fields: sir Neville MArriner
viernes, 21 de diciembre de 2007
ME VOY ESTE FINDE A SEVILLA!!!
Así que ya nos vemos a mi regreso, mientras tanto os dejo, con Diana Damrau cantando el Barbero. Y es que ayer entre algo de alcohol, acabé cantando este aria en el restaurante en la cena del Conser y despues cantando el aria de Bartolo, y no canté el duo porque no puedo hacer duplofonías, que sino... Pero os puedo asegurar que todo acabó bien, jejeje...
Besos para todos y ya nos vemos el domingo (que es mi cumple, no se os olvide... juas, juas, juas)
Queridos lectores, pues como nos acercamos a las navidades, os pongo un par de composiciones renacentistas made in Spain, y basta ya de esas cosas kitsch a las que se les ha llamado villancicos...
Queridos lectores, hoy me he vuelto a enamorar de una ópera, se trata de Die Tote Stadt (la Ciudad muerta) de Korngold. La música y la trama me han podido, y el culmen ha sido ver la impresionatisima regie de Friedrich para la ópera de Viena y a su señora cantando Mariettas Lied, solamente puedo decir impresionante...
Así que os dejo con ella y con su canción.
Portaos bien, no os obsesioneis como Paul con Marie (aunque la interpretación de Karan es para obsesionarse) y mañana habrá más...
Queridos lectores, JOJOJO Feliz Navidad!!! Bueno en realidad mi post tiene trampa y doble sentido (cabrear a Sharpless, que siempre me acusa de no tener espiritu navideño). Pues resulta mirando en mi discoteca me he encontrado con una frikada que compré unas navidades de hace años ya (creo que fue en 2001), y de la que ahora abomino. Creo que el hecho de que abomine es una buenísima señal, porque significa que no me he quedado anclado en una de las peores estéticas posibles, la neo-romántica. Así que os lo voy a regalar por navidades, como denuncia ante esta fiesta que se ha convertido en un agobio para muchísima gente, y que personalmente me causa una ansiedad terrible…La ópera comienza con un pastelosisimo titulo: Das Christelflein (“La pequeña Elfa de Cristo”). Si hubiera que catalogarla yo optaría por definirla como una mezcla de una peli de sobremesa navideña de Antena 3 con música pastelosísima, que nos haría caer en un coma diabético…
El autor es un músico que nunca llegó a nada y que tuvo coqueteos con el régimen hitleriano, su nombre Hans Pfitzner, quien fue incapaz de conseguir una estética y resultados como los de Korngold, Schrecker o Krenek se entregó a un neo-wagnerismo que acabó para él en un olvido brutal. Una de las pocas obras que merece la pena de este señor es la monumental Palestrina, que peca de exceso de antigüedad y que se puede ver con la incapacidad de adaptarse al nuevo lenguaje, y encima victimizandose como Palestrina, frente a la malvada jerarquía de la Iglesia Católica Apostólica Romana de la Contrarreforma.
Esta ópera - o más bien singenspiel- fue estrenada en Munich en 1906 sobre texto de Ilse von Stach (cursi a más no poder), con moraleja para que los niños se porten bien y les traigan muchos regalos el Knecht Rupert (algo así como un Papa Noel alemán muy nacionalista mezclado con el hombre del saco), sino mirad lo que dice el colega:
Allí vino un día al Cielo un sencillo guerrero; era el jefe en el país alemán, él se declaró partidario de Jesús. Cuando él vio los árboles extraños, allí se sintió muy admirado; pues jamás había visto estos en las alturas boscosas de su patria. El caminó con su firme paso en seguida hacia Jesús:
“También yo, mi Salvador, padecí por ti, por ti he muerto. Por eso te ruego: deja en tu reino estar también a mi abeto alemán, para honra de mi pueblo. Pues mis hermanos luchan lejos por Ti como su Señor supremo; pronto vendrán más de ellos”.
Jesús vio al hombre valeroso y sonrió y dijo: “Procúrate tu abeto, yo le querré bien. En mi Cielo, alto y puro, cada uno debe estar contento, y todos deben alegrarse. Por eso, de aquí en adelante, cada héroe alemán recibirá en el Cielo su abeto, éste medrará con orgullo”.
Para Alucinar, eh? Jejejeeje… Bueno aparte de eso la trama gira en torno a un niño malo y egoísta, llamado Frieder, hijo del cacique local Herr von Gumpach, que ha dejado de creer en la Navidad, porque su hermanita está enferma. Pero a todo esto se encuentra con la pequeña Elfa (una especie de Oskar del Ballo) que es extremadamente curiosa, estupida y metomentodo, que vive cantando y vagueando por el bosque. Frieder se pelea con el nacionalista Knecht Ruprecht y reniega de la navidad. Ante esto baja del cielo el “niño Jesús” (Alucinad ya al cosa no puede ser más surrealista…) y se dispone a hacer reconsiderar a Frieder. En casa de los Gumpach las cosas van de mal a peor, la pequeña Trautchen delira ante la impotencia del Doctor, de Frieder y Herr von Gumpach. Pero en esto llegan K.R, la elfa metomentodo, que tiene un momento glorioso preguntando sobre la niña (Porque esta niña no baila y canta como yo????) y el niño Jesús. K. R canta un monologo –recuerda a Hans Sachs- acerca de la Alemanidad de poner el árbol y que no es malo talarlos, sino bueno porque suben al cielo y nosotros ensalzamos a la sacro-santa tradición. Acto seguido, el niño Jesús informa que tiene que llevarse a la joven Trautchen al cielo, Frieder se cabrea y ante esto la Elfa se ofrece para irse al cielo ya que no tiene familia y tiene curiosidad de ver el cielo (¿Nadie la ha dicho que la va a palmar? ¿Podría considerarse un chivo expiatorio?)
La pequeña Elfa (curiosa) ¿El portal del Cielo? ¿Los angelitos? ¿Una almita? ¿Qué será todo esto? ¿Puedo… puedo ir contigo al Cielo? ¡Oh, di!
En el Cielo, creo, es maravilloso. Allí no hay aburrimiento ni congoja, como en el bosque o en el valle de la Tierra. Quiero ir al Cielo y ser con los angelitos un dichoso pequeño elfo.
El Niño Jesús Una almita inmortal te regalaré. El buen Dios me lo permitirá. La Trautchen debe vivir dichosa en la Tierra, la pequeña Elfa, volar lleno de alegría al Cielo.
Así se cura la niña, Frieder y Herr von Gumpach vuelven a tener apego a la navidad, y por supuesto a gastar dinero. La niña alucinada pregunta por los angelitos que iban a recibirla, y porque todos se han ido (evidente, te has salvado tía!!!) Y todo termina bien, la Elfa incordiando en el cielo al niño Jesús y con moraleja: niños portaos bien, porque sino K.R os meterá en un saco…
Pero bueno, la música es igual o peor que la historia. Pasteleo total, uso indiscriminado de los metales y las cuerdas, es como elevar al cubo a Hänsel und Gretel. Pfitzner hace una música que por momentos se vuelve agobiante por lo infantil que resulta. Hay en ella siete u ocho motivos principales, en el sentido wagneriano original de lo que la exégesis llamó después motivos conductores, que diferencian con claridad las situaciones. La obertura, está escrita según el modelo de la de Los maestros cantores evidentemente con dimensiones y contenido distintos, comienza con la ágil y despreocupada figuración de la Elfa metomentodo, el cual intuye que ese día ocurre algo especial en el mundo de los hombres. Suenan también la admonición de Abeto Viejo, quien entre los humanos aprecia sólo a Frieder, una sección central rápida con las bufonadas de los criados Franz y Jochen, la dulce melodía del Niño Jesús, el jovial motivo del alcohólico Knecht Ruprecht y el cántico de los ángeles –menos solemne del que exhibirá en Palestrina-, pero para rematar la cuestión toda esta alegría de cuento de Navidad queda dominada por los acentos del sufrimiento SCHOPENHAUERIANO. Mucho de neo-romántico, monólogos interminables y excesiva dulzura componen el apartado musical de la ópera.
El registro de la radio de Baviera de 1979, es el que os ofrezco. En el reparto sorprenden por la “devoción”, la seriedad, el esfuerzo y el logro de mantener esa mentalidad contemporanea que yo defiendo, de Helen Donath (la Elfa), Janet Perry (el Niño Jesús), Alexander Malta (Abeto Viejo), Nikolaus Hillebrand (Santa Claus) y Claes H. Ahnsjö (Frieder). Las partes habladas fueron resumidas por Alois Fink,quien dice su propio texto con sobria nobleza. Este procedimiento es aceptable en una versión radiofónica, pero supone la desaparición de los personajes no cantados, esto es, la ingenua Trautchen y Herr Doctor, ohhhh...
Aqui os dejo el reparto y el enlace a la grabación completa:
Komponisten/Werke:
H. Pfitzner: Das Christelflein (Spieloper in zwei Akten)
Helen Donath (Sopran) Janet Perry (Sopran) Claes H. Ahnsjö (Tenor) Paul Hansen (Bariton) Alexander Malta (Bass) Nikolaus Hillebrand (Bass) Raimund Grumbach (Bass) Ferry Gruber (Bass) Chor des Bayerischen Rundfunk Münchner Rundfunkorchester Kurt Eichhorn
Queridos lectores, pues ayer por la tarde fue el día D. Hice mi charla dentro del marco de la ULEX y salió bien con un resultado que casi llegó a satisfacerme, excepto por una cosa, fallo el proyector y el equipo de audio, con lo que mi audiencia tuvo que levantarse para mirar el portatil donde llevaba los videos para ilustrar la charlita. Además hacía un frio horrible, pero horrible y mi público se congelaba. Lo peor para mi fue que de las 20 pags que llevaba tuve que resumir y darla de memoria (tuve que cortar el anillo de Friedrich y el Tannhäuser de Kupfer) y se me quedó la charla en 1hora y 27 minutos (pero sino el público me iba a tirar piedras); Finalizamos con unos 10 minutos de preguntitas, hay una muy interesante sobre si era posible la transgresión en la ópera, y llegamos a la conclusión que no, que hoy solo se asusta y se cabrea el que quiere... A pesar de todos esos problemas técnicos, fue una experiencia interesante, ya que me permitió enseñarles a mis compañeros que la ópera es algoq ue hoy puede tener vida, y que puede tener validez en nuestro mundo cultural. Ya pienso en repetir, pero la próxima con algo más filosófico o más oriental...
Bueno por si alguno quiere ver algun momento os dejo un par de fotos y el audio de la charla.
Queridos lectores, ¿Os apetece aprender sanskrito? Yo lo hago, jejejeje, si lo se soy un friki total. Me gasté más de 100€ en un diccionario de Sanscrito-Catalá, y casi 50€ en mi libro de texto. Actualmente domino el alfabeto, soy capaz de leer, aunque es dificil aprender por una mismo, y aunque tengo la ayuda de Fernando Wulff, me faltaría un poco de más oficialidad, pero bueno...
Os dejo con unas lecciones que me he encontrado online, a mi por lo menos me sirven para repasar, y a vosotros a ver si os animais a aprender esta lengua tan antiquisma, en la que la gramática es una ciencia complejísima y fundamental...
Queridos lectores, llevo toda la tarde escuchando su Parsifal. A mi juicio Klaus Florian Vogt hace un Parsifal de antología, especialmente a la hora de plantear el personaje, ya que lo trata como es, un adolescente totalmente indefenso que sufre una transformación a través de un par de experiencias infernales, pero manteniendo su pureza y su cristalinidad y no como un garrulo camionero insensible y sabelotodo (Melchior, Vinay...)
Vogt representa el Parsifal, que sería mi paradigma para ponerlo en escena, tanto vocal como escénicamente... Y con esto me retracto de lo que dije en contra de KFV en su día, cuando cantó Florestan...
Queridos lectores, hoy tengo poco tiempo, pero os pongo una combinación masala. Para los que no sabeis que es el masala, os diré que es un producto que en la India se consume muchisimo y está formado por innumerables especias (lo que popularmente llamamos curri), pero además tostadas y molidas... Esta mezcla es mía personal y enfocada hacia el plano músical, así está formada por dos barrocadas y una joya del Bollywood de los 60:
Maite Beaumont canta Sta nell' Ircana de Alcina de Händel.
Roberta Invernizzi canta un aria de Diana Caciatrice de G.F. Händel
Rajendra Kumar
Mañana intentaré hablaros de una pelicula que he visto "Madre Juana de los Angeles" de Kawalerowicz, que trata acerca de la posesión de un convento completo en Loudun y como eso influye en el vaticano y en la concepción de la mística de la gente. Portaos bien y mañana más...
Queridos lectores, siguiendo en mi habitual linea "loca", os presento mi último y descabellado proyecto. Se trata de una charla debate sobre las puestas en escena wagnerianas en la RDA, durante la mitad del siglo pasado. Esta ponencia se enmarca dentro de un proyecto que hemos denominado ULEX (Universidad Libre Experimental) y que es una alternativa para tramar temáticas y autores que se hayan sumidos en un vacio que la Universidad oficial se niega a penetrar, tan solo unos cuantos valientes profesores los tratan lo que la oficialidad les permite y son los que nos alientan a este proyecto... Llevamos unas cuantas conferencias y nuestro AREA, la de filosofía está teniendo mucha aceptación.
Ahora me toca a mi defender el pabellón estético y espero que todo salga bien, llevo mas de un mes perfilando mi trabajo, hinchandome de ver puestas de regisseurs alemanes (por eso últimamente estaba tan pesado) de los 70 y 80, y montando el DVD que proyectaré con los ejemplos.
Aqui el cartel anunciador, hecho por un servidor. En la Ulex todo nos lo curramos nosotros.
Así que prometo alguna foto, una grabación en audio (la necesito para hacer el texto definitivo que entregaré para la publicación), algún fragmento en video y en la medida que me sea posible y si interesa el texto completo y anotado.
Se admiten opiniones y sugerencias, y si podeis pasaros el domingo...
Queridos lectores, comenzamos con el Catolicisimo que me gusta, el de latín y misas largas, juas, juas, juas, porque a mi como a Pasolini, me gusta el catolicismo teatral. Y para eso, no hay mejor que unas Visperas a la virgen María, de un español en Nápoles, Diego Ortiz, que en 1595 comprondía esta maravilla. Escuchadlas, merece la pena, es super, super estético...
Queridos lectores, varias veces he dicho que me dan profundas nauseas todo el wagnerismo oficial (y eso que yo fui en su día wagneriano ultra-ortodoxo), osea el de los Knas, Bayreuths, aduladores de Wagner que lo consideran como un dios, años 30 y 40 en Alemania, además de algunos neonazis carcas que aun manipulan a Wagner, escenografías y regies con cuernos y osos, y demás ralea... La razón porque Wagner como persona daba un profundo asco, aun así podemos salvar de su obra, primero su música y posteriormente algunos aspectos transversales que hay en su obra, que se pueden sacar tras un analisis minucioso. De entre los que realmente saben apreciar a Wagner tras horas y horas de analisis se encuentran Götz Friedrich, Patrice Chereau, Pierre Boulez, Wieland Wagner, Woldemar Nelsson, Harry Kupfer, Peter Konwitschny y tantos más. Hoy me gustaría que leyerais este articulo del filósofo esloveno Slavoj Zizek sobre Wagner (tiene muchísimos y ahora me ha dado por leerle) y las Frigidas alegrias del Walhalla. Y entonces reflexionaramos y pensaramos, que Wagner queremos el de los "wagnerianos ultras" o el depurado y repensado...
Slavoj Zizek Walhalla's Frigid Joys
Perhaps the most touching scene of the entire Ring occurs towards the end of Act II of Walkure, when Brunhilde, in her cold majestic beauty, approaches Siegmund, informing him that every mortal who sees her will soon die - she is here to tell him that she will take him to Walhalla after he will lose the battle with Hunding. Siegmund refuses her offer if Sieglinde cannot join him in Walhalla, preferring the love of a miserable mortal woman to Walhall's sproeden Wonnen. The shattered Brunhilde comments on this refusal: So wenig achtest du ewige Wonne? Alles waer'dir das arme Weib, das mued und harmwoll matt von dem Schosse dir haengt? Nichts sonst hieltest du hehr? This is the core of Wagner's critique of religion: one has to get rid of the old Platonic topos of love as Eros which gradually elevates itself from the love for a particular individual through the love for the beauty of a human body in general and the love of the beautiful form as such to the love for the supreme Good beyond all forms: true love is precisely the opposite move of forsaking the promise of Eternity itself for an imperfect individual. What if the gesture of choosing temporal existence, of giving up eternity for the sake of love, is the highest ethical act of them all? Ernst Bloch was right to remark that what is lacking in German history are more gestures like Siegmund's. Jurgen Flimm's Ring, which will be repeated in Bayreuth till 2006, is strong precisely at this level of intense intimate interplay; his staging is full of insightful ideas which, of course, sometimes work and sometimes not. Fricka is in Rheingold a careful saving Hausfrau, not the usual majestetic matron; Alberich is in the Act II of Siegfried accompanied by a boy, the young Hagen, whom he already trains for his future combat with Siegfrid (Hagen-boy plays with the small model of a dragon); etc. And Hagen is, together with Wotan and Alberich, the key person of Flimm's staging which presents the Ring as a drama of corrupted state power (Udo Bermbach was Flimm's official ideologue). The dark figure of Hagen is profoundly ambiguous: although initially depicted as a dark plotter, both in the Nibelungenlied and in Fritz Lang's film, he emerges as the ultimate hero of the entire work and is redeemed at the end as the supreme case of the Nibelungentreue, fidelity to death to one's cause (or, rather, to the Master who stands for this cause), asserted in the final slaughter at the Attila's court. The conflict is here between fidelity to the Master and our everyday moral obligations: Hagen stands for a kind of teleological suspension of morality on behalf of fidelity, he is the ultimate Gefolgsmann. Significantly, it is ONLY Wagner who depicts Hagen as a figure of Evil - is this not an indication of how Wagner nonetheless belongs to the modern space of freedom? And is Lang's return to the positive Hagen not an indication of how the XXth century marked the reemergence of a new barbarism? It was Wagner's genius to intuit ahead of his time the rising figure of the Fascist ruthless executive who is at the same time a rabble-rousing demagogue (recall Hagen's terrifying Maennerruf) - a worthy supplement to his other great intuition, that of a hysterical woman (Kundry) well before this figure overwhelmed European consciousness (in Charcot's clinic, in the art from Ibsen to Schoenberg). What makes Hagen a proto-Fascist is his role of the unconditional support for the weak ruler (King Gunther): he does for Gunther the dirty jobs which, although necessary, have to remain concealed from the public gaze - Unsere Ehre heisst Treue. We find this stance, a kind of mirror-reversal of the Beautiful Soul which refuses to dirty its hands, at its purest in the Rightist admiration for the heroes who are ready to do the necessary dirty job: it is easy to do a noble thing for one's country, up to sacrificing one's life for it - it is much more difficult to commit a CRIME for one's country when it is needed... Hitler knew very well how to play this double game apropos the holocaust, using Himmler as his Hagen. In the speech to the SS leaders in Posen on October 4 1943, Himmler spoke quite openly about the mass killing of the Jews as "a glorious page in our history, and one that has never been written and never can be written," explicitly including the killing of women and children: "I did not regard myself as justified in exterminating the men - that is to say, to kill them or have them killed - and to allow the avengers in the shape of children to grow up for our sons and grandchildren. The difficult decision had to be taken to have this people disappear from the earth." This is Hagen's Treue brought to extreme - however, was the paradoxical price for Wagner's negative portrayal of Hagen not his Judifizierung? A lot of historicist work was done recently trying to bring out the contextual »true meaning« of the Wagnerian figures and topics: the pale Hagen is really a masturbating Jew; Amfortas' wound is really syphillis... The idea is that Wagner is mobilizing historical codes known to everyone in his epoch: when a person stumbles, sings in cracking high tones, makes nervous gestures, etc., everyone knew this is a Jew, so Mime from Siegfried is a caricature of a Jew; the fear of syphillis as the illness in the groin one gets from having intercourse with an impure woman was an obsession in the second half of the 19th century, so it was clear to everyone that Amfortas really contracted syphillis from Kundry... Marc Weiner developed the most perspicuous version of this decoding by focusing on the micro-texture of Wagner's musical dramas - manner of singing, gestures, smells - it is at this level of what Deleuze would have called pre-subjective affects that anti-Semitism is operative in Wagner's operas, even if Jews are not explicitly mentioned: in the way Beckmesser sings, in the way Mime complains... However, the first problem here is that, even if accurate, such insights do not contribute much to a pertinent understanding of the work in question. One often hears that, in order to understand a work of art, one needs to know its historical context. Against this historicist commonplace, one should affirm that too much of a historical context can blur the proper contact with a work of art - in order to properly grasp, say, Parsifal, one should ABSTRACT from such historical trivia, one should DECONTEXTUALIZE the work, tear it out from the context in which it was originally embedded. Even more, it is, rather, the work of art itself which provides a context enabling us to properly understand a given historical situation. If, today, someone were to visit Serbia, the direct contact with raw data there would leave him confused. If, however, he were to read a couple of literary works and see a couple of representative movies, they would definitely provide the context that would enable him to locate the raw data of his experience. There is thus an unexpected truth in the old cynical wisdom from the Stalinist Soviet Union: "he lies as an eye-witness!" What further complicates the issue is the ambiguity of Wagner's depicting. Let us return to the most convincing case: Mime as the caricature of a ghetto-Jew - but was Wagner not also critical of Siegfried's cruel treatment of Mime? There is effectively in Wagner's Siegfried an unconstrained "innocent" aggressivity, an urge to directly pass to the act and just squash what gets on your nerves - as in Siegfrid's words to Mime in the Act I of Siegfried: seh'ich dich stehn, gangeln und gehn, knicken und nicken, mit den Augen zwicken, beim Genick moecht'ich den Nicker packen, den Garaus geben dem garst'gen Zwicker!. Is this not the most elementary disgust, repulsion felt by the ego when confronted with the intruding foreign body? One can easily imagine a neo-Nazi skinhead uttering the same words in the face of a worn-out Turkish Gastarbeiter... And, finally, one should not forget that, in the Ring, the source of all evil is not Alberich's fatal choice in the first scene of Rhinegold: long before this event took place, Wotan broke the natural balance, succumbing to the lure of power, giving preference to power over love - he tore out and destroyed the World-Tree, making out of it his spear on which he inscribed the runes fixating the laws of his rule, plus he pluck out one of his eyes in order to gain insight into inner truth. Evil thus does not come from the Outside - the insight of Wotan's tragic monologue with Brunhilde in the Act II of Walkure is that the power of Alberich and the prospect of the end of the world is ultimately Wotan's own guilt, the result of his ethical fiasco - in Hegelese, external opposition is the effect of inner contradiction. No wonder, then, that Wotan is called the "White Alb" in contrast to the "Black Alb" Alberich - if anything, Wotan's choice was ethically worse than Alberich's: Alberich longed for love and only turned towards power after being brutally mocked and turned down by the Rhinemaidens, while Wotan turned to power after fully enjoying the fruits of love and getting tired of them. One should also bear in mind that, after his moral fiasco in Walkure, Wotan turns into "Wanderer" - a figure of the Wandering Jew like already the first great Wagnerian hero, the Flying Dutchman, this "Ahasver des Ozeans." And the same goes for Parsifal which is not about an elitist circle of the pure-blooded threatened by external contamination (copulation by the Jewess Kundry). There are two complications to this image: first, Klingsor, the evil magician and Kundry's Master, is himself an ex-Grail knight, he comes from within; second point, if one reads the text really close, one cannot avoid the conclusion that the true source of evil, the primordial imbalance which derailed the Grail community, resides at its very center - it is Titurel's excessive fixation of enjoying the Grail which is at the origins of the misfortune. The true figure of Evil is Titurel, this obscene père-jouisseur. (Perhaps comparable to giant worm-like members of the Space Guild from Frank Herbert's Dune, whose bodies are disgustingly distorted because of their excessive consumption of the "spice"). This, then, undermines the anti-Semitic perspective according to which the disturbance always ultimately comes from outside, in the guise of a foreign body which throws out of joing the balance of the social organism: for Wagner, the external intruder (Alberich) is just a secondary repetition, externalization, of an absolutely immanent inconsistency/antagonism (of Wotan). With reference to Brecht's famous "What is the robbery of a bank compared to the founding of a new bank?", one is tempted to say: "What is a poor Jew's stealing of the gold compared to the violence of the Aryan's (Wotan's) grounding of the rule of Law?" Flimm was right to focus his staging on this political drama of power: this is what accounts for Wagner's continuous actuality. So where do we stand with this actuality? When one approaches the Festspielhaus during intermissions, the first impression, of course, is that of a scene from a Fellini film: aseptic old men in dark dresses silently roaming around, accompanied by ladies with too much make-up, a true dance of the vampires, a reunion of living dead playing high society... Is, however, this the entire truth? Or was Boulez right when, back in the 1960s, in one of his memorable anarchic-avantgarde outbursts, he said that all opera houses should be bombed - except Bayreuth. The fact remains that the Bayreuth stagings (or, rather, the stagings of Wagner in general) provide the most accurate registration of our global spiritual and political preoccupations. Recall the Parsifals of the last decades: everything was there, from ecological concerns to New Age spirituality, from space-technology to political revolutions and youth rebellions... More generally, do the great shifts in Wagner stagings not condense the triad of Traditionalism-Modernism-Postmodernism? Before the World War II, traditional settings of the Ring predominated: naturalistic background of wild rocks and trees, Viking-like heroes... Then, in 1950, there occurred the New Bayreuth explosion of radical modernism: ascetic, pseudo Ancient Greek tunics, empty stages with strong lights and just some minimal simple object with runes here and there. In the 1960, Wagner stagings were at the frontline of postmodernism in all its versions: the inconsistent mixture of heterogeneous styles and settings (Rhine daughters as prostitutes, the conflict between Siegfried and Hagen as a conflict between SA and SS, Walhalla's executive offices...), the changes in the narrative (Isolde stays at home and Tristan dies alone, the Dutchman is Senta's hysterical hallucination...). In this way, Bayreuth - and Wagner's work itself - is more and more emerging as an insurpassable canon, comparable only to Greek tragedies and Shakespeare: not a foundation with a fixed meaning, but the permanent frame of reference which calls for new and new stagings, which has to be fed by them in order to remain alive. It is through a new staging of Wagner that we make it clear to ourselves where do we stand, in the most radical existential sense, and the power of Wagner's opus is precisely that it survives new and new interpretations. Imagine - my private dream - a Parsifal taking place in a modern megalopolis, with Klingsor as an impotent pimp running a whorehouse; he uses Kundry to seduce members of the Grail circle, a rival drug gang. Grail is run by the wounded Amfortas whose father Titurel is in a constant delirium induced by too much drugs; Amfortas is under a terrible pressure from the members of his gang to perform the ritual, i.e., deliver the daily portion of drugs to them. Parsifal is a young inexperienced son of a single homeless mother in search of drugs, and he "feels the pain" and rejects Kundry's advances while she is performing fellatio on him... Such experiments, of course, are risky, they often ridiculously misfire - however, not always, and there is no way to tell it in advance, so one has to take the risk. Bayreuth, which was proclaimed dead, dismissed as outdated, at its very conception, is today more alive than the majority of those who organized its funerals. Again and again, it reemerges as the Mecca of European cultural fundamentalists - the site of their hadj, sacred pilgrimage - you have to do it at least once in lifetime if you want your soul saved. And the core of this fundamentalists is no longer composed by hard-core conservatives: as an American critic recently remarked, Wagner's Ring was in the last years almost kidnapped by Leftist Jewish directors - in a weird case of poetic justice, you have to go to the American West (to Seattle) in order to enjoy the "authentic" Teutonic Ring... There was, in the last months, after the public letters from Jurgen Habermas, Jacques Derrida, Richard Rorty, and other philosophers, a lot of talk about the revival of the core European values as an antidote to the Americanized New World Order. If there is a cultural event in which, today, this European tradition condenses and embodies itself, it is Bayreuth - so, to paraphrase Max Horkheimer, those who do not want to talk about Bayreuth should also keep silent about Europe.
Y como premio por llegar al final, Dña. Waltraud, nos canta la muerte de Isolda, ayer en la Scala de Milán, con Barenboim y Chereau...
Queridos lectores hoy toca una ópera que empecé a decubrir hace dos días, a pesar de que tenía un video con la Zamperra y Bruson en la que el único que se salvaba era el pobre de Schicoff, en la DoB. Ante esto y una representación de un Macbetto que vi en mi ciudad natal (que tuvo innumerables desgracias), había abandonado mi gusto por esta ópera. Pero una versión pasada por Sonnambulo con un espectacularísimo Leo Nucci me devolvió la fe.
Ahora devuelvo los favores con esta impresionante toma in house en el Teatro Maestranza que me pasaron hace bastante tiempo. Cuenta con ese pedazo de baritono que es Carlos Álvarez, aqui prácticamente igual de como lo hizo en Málaga (y eso que el pobre estaba con laringitis...), la Sra. Urmana que es poco menos que una "leona" en escena, es terrible, malvada, brutal y canta como Dios!!! De los demás muy bien, aunque empalidecen al lado de estos cantantes tan impresionantes...
MACBETH (Giuseppe Verdi)
MACBETH - Carlos Álvarez (role debut) LADY MACBETH - Violeta Urmana (role debut on stage) BANQUO - Giacomo Prestia MACDUFF - José Sempere (role debut) DAMA - Marcella Polidori MALCOLM - Alfredo Nigro MEDICO / SERVO - Sergio Fontana SICARIO - Iñaki Suescun Vergara
Coro de la A.A. del Teatro Maestranza Orquesta Sinfónica de Sevilla Daniel Lipton
Queridos lectores, hoy os traigo una rareza total que va multidedicada a 3 personas, la primera a Agatarco gran fan de Jochen y que me pasó los primeros cds de él. La segunda es mi "hermano" Sharpless, que hoy está un poco depre, coño, animate con la ópera Rusa!!!! Y la tercera persona es Ceph, incansable investigador de contratenores, para que disfrute de esta rareza.
La razón de este disco viene del año 1981, cuando Jochen debutó en la Komische Oper de Berlín (dicho sea de paso, uno de is teatros preferidos) el papel de Fjodor Borisovitch en la ópera Boris Godunov con regie de Harry Kupfer. El experimento fue tan bien que en la reposición en el 87, Kupfer volvió a contar con él. Jochen representaba perfectamente el rol de adolescente un pelín ingenuo pero capaz de estremecerse ante el devenir de su padre y de la Madre Rusia. Las críticas fueron unanimes y, Jochen y Kupfer salieron por la puerta grande. Así que él, gran amante de la ópera Rusa, decidió en 2002 grabar un CD integro de piezas clásicas de Ópera Rusa. Y así tomó la parte de Ratmir de Ruslan y Ljudmila, con sus dos arias de extrema belleza, el micro-duo de la Pikovaia Dama de Daphnis y Chloe. También cogió el rol de Vanja de Una vida por el Zar. Un disco de ensueño, que nos transporta a la mejor época de la Rusia de los Zares y los salones de S. Petersburgo...
1. Ruslan and Lyudmila, "magic" opera in 5 acts, G. xiv Overture Composé par Mikhail Glinka Joué par Sofia Philharmonic Orchestra Dirigé par Michail Jurowski 2. Pique Dame (The Queen of Spades), opera, Op. 68 Duett Daphnis und Chloe: "Moj milenkij druzhok" Composé par Pyotr Il'yich Tchaikovsky Joué par Sofia Philharmonic Orchestra avec Jochen Kowalski Dirigé par Michail Jurowski 3. Boris Godunov, opera Lied des Fiodor, 2. Akt: Popinka nasch... Composé par Modest Mussorgsky Joué par Sofia Philharmonic Orchestra avec Jochen Kowalski Dirigé par Michail Jurowski 4. A Life for the Tsar (Ivan Susanin; Zhizn' za tsarya), opera in 4 acts with and epilogue, G. xii Rezitativ und Aire des Wanja, 4. Akt: "Bednyj kon' v pole pal..." Composé par Mikhail Glinka Joué par Sofia Philharmonic Orchestra avec Jochen Kowalski Dirigé par Michail Jurowski 5. Ruslan and Lyudmila, "magic" opera in 5 acts, G. xiv Marsch Composé par Mikhail Glinka Joué par Sofia Philharmonic Orchestra Dirigé par Michail Jurowski 6. Ruslan and Lyudmila, "magic" opera in 5 acts, G. xiv Szene und Arie des Ratmir: "I zhar, i snoj ssmenila notchi ten" Composé par Mikhail Glinka Joué par Sofia Philharmonic Orchestra avec Jochen Kowalski Dirigé par Michail Jurowski 7. The Snow Maiden (Snegurochka) (ii), opera ("springtime tale") in 4 acts with a prologue Vorspiel 1. Akt Composé par Nikolay Andreyevich Rimsky-Korsakov Joué par Sofia Philharmonic Orchestra Dirigé par Michail Jurowski 8. The Snow Maiden (Snegurochka) (ii), opera ("springtime tale") in 4 acts with a prologue Szene Schneeflöckchen - Lehl: "Sdorovo, Lehl prigozhij, gosstem bud" Composé par Nikolay Andreyevich Rimsky-Korsakov Joué par Sofia Philharmonic Orchestra avec Jochen Kowalski Dirigé par Michail Jurowski 9. The Snow Maiden (Snegurochka) (ii), opera ("springtime tale") in 4 acts with a prologue Zweites Lied des Lehl: "Kak po lessu less scchumit" Composé par Nikolay Andreyevich Rimsky-Korsakov Joué par Sofia Philharmonic Orchestra avec Jochen Kowalski Dirigé par Michail Jurowski 10. Ruslan and Lyudmila, "magic" opera in 5 acts, G. xiv Romanze des Ratmir "Ona mne zhisn', ona mne radosst" Composé par Mikhail Glinka Joué par Sofia Philharmonic Orchestra avec Jochen Kowalski Dirigé par Michail Jurowski 11. The Snow Maiden (Snegurochka) (ii), opera ("springtime tale") in 4 acts with a prologue Drittes Lied des Lehl: "Turcha sso gromom ssgovarivalas" Composé par Nikolay Andreyevich Rimsky-Korsakov Joué par Sofia Philharmonic Orchestra avec Jochen Kowalski Dirigé par Michail Jurowski 12. The Snow Maiden (Snegurochka) (ii), opera ("springtime tale") in 4 acts with a prologue Tanz der Gaukler Composé par Nikolay Andreyevich Rimsky-Korsakov Joué par Sofia Philharmonic Orchestra Dirigé par Michail Jurowski
Grabado en Berlin. 2002
Jochen Kowalski (contratenor) Sofia Philharmonic Orchestra Michail Jurowski
Queridos lectores estoy analizando para la Uni, nosecuantas versiones de Lohengrin y ahora voy con esta, que es la de Peter Konwitschny coproducida por el GTL y la Opera de Hamburgo. Esta grabado en 2006, cantan Luana de Vol y Emily Magee. Es otra forma, incluso quizás más profunda de mirar y comprender a R. Wagner
Queridos lectores, por cortesia del amigo Tucker, os cuelgo esta pedazo de Forza con Zinka Milanov, Richard Tucker es D. Alvaro (SOBEEEERBIO!!!!), el fastuoso D.Carlo de Leonard Warren y el genial guardiano de Siepi. Noche gloriosa donde se ve una interpretación impresionantisima. Bueno no os entretengo más, a disfrutarla!!!!
Metropolitan Opera House March 17, 1956 Matinee Broadcast
LA FORZA DEL DESTINO Giuseppe Verdi
Leonora.................Zinka Milanov Don Alvaro..............Richard Tucker Don Carlo...............Leonard Warren Padre Guardiano.........Cesare Siepi Preziosilla.............Rosalind Elias Fra Melitone............Fernando Corena Marquis de Calatrava....Louis Sgarro Curra...................Thelma Votipka Trabuco.................Alessio De Paolis Surgeon.................George Cehanovsky
Querido lectores, este finde estuve en Barcelona. Pues bien el sabado despues de una comida esplendida –Tucker te luciste con el sitio- y una sobremesa más genial, acompañada con pre-AIDA cerca del MACBA, donde llamamos a Sharpless, y donde el grupo se separó entre los que íbamos a AIDA y los que no. Tamino se quedó a base de cervezas con Laspa, Fanti y unos cuantos más. Y otro grupo nos fuimos “Su del Nilo al sacro lido”. Yo intenté grabar la función pero ni mi MD ni el de Begoña funcionaron… Desde aquí agradezco a MariodelMonaco su ayuda para taparme y encubrirme mientras montaba mi equipo pirata, jejejeje.
Y así comenzó la función. Vaya pasada en lo musical, no tanto en los escénico. Alagna lo bordó. En su Celeste Aida me hipotequé la voz ya que solté un: BRAAAAAAVOOO ROBERTO!!!!! –que el luego en camerinos me reconoció que lo había escuchado-, estuvo muy vibrante y expresivo, es ahora mismo el Radames con más estilo que hay en mi opinión. Hui He me gustó bastante muy interesante como voz, y estuvo también ciertamente expresiva, aunque en el O Patria Mia tuvo algún problemilla, pero como están hoy las cosas fue una Aida muy buena. Le llegó el turno a Begoña, que estuvo estupendísima, lastima que no tenga un papel más lucido. Su voz a pesar de que estaba en el fondo del escenario se escuchaba como si estuviera en la boca del escenario. Terminó el primer acto y tras bravear a todo el cast –especialmente a Begoña- me fui a ver y felicitar a ella y a Roberto. Allí me esperaba ella y el genial Jaume Tribó (para el que no lo sepa, el maestro suggeritore del Liceu), la persona que en mi opinión más sabe de ópera de entre los que conozco. Nos hicimos una foto, como podéis ver.
Begoña me llevó al camerino de Roberto, simplemente increíble. A parte de muy simpático, es una persona encantadora. Me presentó Begoña y acto seguido le dije que le había gritado tres veces Bravísimo Roberto, a lo que me contesto rápidamente que lo había oido perfectamente. Me firmó el D. Carlos, el programa y me dijo que lo llamara Roberto, no Signor Alagna. Simpatiquísimo y además me deseó mucha suerte en mi futura carrera. Yo le deseé suerte hasta al final. Y me despedí. Después un ratito con Begoña hablando un poco de la función y me volví a la señal de: Faltan 5 minutos para el comienzo de la función. Aquí tenéis la foto con Alagna y con Begoña.
En los siguientes actos se manifestaron la Fiorillo (Braaava!!!) que graves tenía, a mi me acojonaron y después un agudo que te deja despeinao, jejejeje… BRUTAL!!! Así como el veterano Joan Pons, Amonasro Señor, que cantó también de manera impresionante. El Ramfis de Colombara estuvo también muy bien y el Rey de Giuseppini pues también. A Fadó se le escucho genial como mensajero.
De la producción, pues a ver increíble la escenografía, tuve la suerte de ver de cerca uno de los telones y me sorprendió muchísimo, pero muchísimo los efectos de perspectiva IMPRESIONANTISIMO. Eso si los “Dominicos Flipaos” o los “Egipcios Matrix” haciendo Karate fue bastante Kitsch, pero nada comparable al vestuario tan horrible que vimos… Aquí se echó de menos a Mr. K, jejejeje, así como en la nula dirección de actores.
Bueno después de la función, marché a camerinos, y logramos colar a Kundry que quería ver a Roberto. Misión cumplida, y yo me fui a saludar otra vez a D. Jaume, que estaba allí con Sanculotto Matthieu (el crítico italiano Andrea Merli), a quien había conocido un ratito antes en el salón de los espejos, allí charlamos un rato. Y yo ya muerto me marché al hotel, a morir en paz.
A la mañana siguiente, sin ninguna voz posible, SPANAIR me la jugó y llegué tarde a Málaga, jejejeje -que cosa más rara, a que si…- y así acabó mi finde liceístico.
Espero que os haya gustado la crónica y no os haya aburrido. Mañana colgaré un "Pottere del Fato" (me dijo Tribó que el nombre original da mala suerte) con Tucker, Milanov y Warren que me ha dicho el otro Tucker que la eleve para todos vosotros... Hasta mañana!!!
Queridos lectores, hoy llegamos al final de la AIDA OBSESION. Aqui van los últimos momentos, jejeje:
Qui Radames verra... O patria mia · Renata Tebaldi en el cuerpo de Sophia Loren
Escena entre Aida y Amonasro. Tebaldi otra vez en el cuerpo de Sophia Loren y Gino Bechi en el de A. Poli.
Ciel mio padre · Tebaldi y Usunov en Paris, siete años despues.
La gran Giulietta Simionato cantando Amneris junto a Mario del Monaco en Tokyo, la escena del Juicio.
Escena final con Mario del Monaco y la Tucci, en Tokyo.
Bueno y con esto me despido hasta la próxima, que será el domingo, porque desde mañana andaré por tierras catalanas, para ver AIDA en el Liceu. Así que os vaya todo bien, y os debo la crónica de AIDA...
Queridos lectores tercera entrega de la SEMANA AIDA. Hoy mi ensamble favorito: el final del Acto II. Ahí van unas cuantas versiones:
Toscanini con Tucker & CIA...
Aida: Antonietta Stella, Amneris: Giulietta Simionato, Umberto Borso: Radames y Aldo Protti: Amonasro. Tokyo, 1956
Simon Estes, James McCracken, Fiorenza Cossotto y Leontyne Price.
Versión fabulosísima con Dña. Montse como Aida, Cappuccilli como Amonasro, Cecchele como Radames, Baldani como Amneris, Winberger como Ramfis y Rydl como Il Re. Wiener Staatsoper, 1979
Una AIDA finlandesa, con Karita Mattila, Päivi Nisula, Matti Salminen, Tom Krause, Seppo Ruohonen y Johann Tilli, con motivo de la apertura de la Finnish National Opera house in 1993. Miguel Gómez-Martinez a la batuta.
Por último la versión del joven regisseur norteamericano Yuval Sharon, para la experimentalisima propuesta de la Berkeley Opera en San Francisco. Que plantea AIDA como un Reality show...
Ritorno vincitor, hoy segundo día AIDIZADO!!! Bueno, bueno ya quedamenos para ver a Hue Hue y a Robertino... Solo teneis que aguantar dos días más de AIDA en mi blog. Hoy le toca a las sopranos -ese ser tan dificil de comprender...- y su momento más famoso.
Tebaldi en el cuerpo de Sophia Loren...
Mi preferida, Dña. Montse cantando de manera apabullante...
La última función de la Price en el MET.
Marton, otra que tampoco se queda corta.
Fantini cantando en la mejor regie (BOB WILSON = DIOS) que hay en el youtube de Aida. Mirad solo el juego de luces y gestualidad. Hay que agradecer que Agatarco se haya tomado la molestia de colgarlo.
Mañana, el final del Acto II, mi ensamble favorito...
Queridos lectores, con motivo de que este sabado me voy a ver la AIDA al GTL, pues voy a dedicar toda esta semanita a AIDIZARME, y también vosotros, juas, juas, juas... Hoy empezamos por mi aria favorita de esta ópera y su trooooono vicinoooo al faaaa...digo al SOOOOOL!!!! (que me bajo un tono, jajajaja).
CELESTE AIDA
Toda la primera escena completa de AIDA, con Tucker y Scott, dirige Toscanini.
Mario del Monaco como Radames en Tokyo.
Otro de los grandes, Franco Bonisolli como Radames...
Placido en Houston.
Mi próximo Radames, el Sr. Alagna (no, canceles por favor....), porque es el mejor de la actualidad!!!
Que os proteja Isis... Mañana Ritorna Vincitor!!!!
Queridos lectores, seguimos con cine clásico hindú. Hoy os traigo tres momentos clásicos de una de la joya del Tollywood (cine indio en Telugu) de los años 60 con dirección de K.V.Reddy. Sobre la base mitológica del Mahabharat y poemas devocionales , se cuenta la historia de Krishna y Arjuna. Os dejo con tres momentos que he encontrado en el youtube:
Queridos lectores, lo prometido es deuda. Función para el recuerdo, todo lo que vi en el ensayo general se confirmó de manera espectacular. Carlos Álvarez lo bordó y demostró ser el mejor Gerard de la actualidad; de León defendió su debut como Chenier de manera espectacular y acabó braveado por todo el teatro; por último Elmira Veda fue una Magdalena muy interesante. Si os interesa la pequeña reseña que hice os remito a aqui. A disfrutarlo!!!! (Esta versión no es apta para talifanes del pasado y/o criticones compulsivos).
Umberto Giordano ANDREA CHENIER Opera en 4 actos de Luigi Illica
Producción Escénica de la Ópera de Niza Regie: Paul Emile Fourny
REPARTO
Andrea Chenier: Jorge de León Carlo Gerard: Carlos Álvarez Maddalena de Coigny: Elmira Veda Bersi: Lola Casariego Condesa de Coigny: Lourdes Martín Leiva La vecchia Madelon: Lourdes Benítez Roucher: Ferderico Gayar Pietro Fleville/ Fouquier Tinville: Jose Manuel Corado Mathieu Sans-coulotte: Miguel López Galindo Increible: Luis Pacetti Abate Chenier/Dumas: Francisco Heredia Mayordomo/ Schmidt: Antonio Jerez
Coro de Ópera de Málaga Dirección: Francisco Heredia
Orquesta Filarmonica de Málaga Dirección: Daniel Lipton
23-11-07 · Teatro Cervantes (Málaga) · Premiere Grabación in-house
Mis queridos lectores os dejo hoy con historias del Dios Shiva, su esposa Parvati y sus hijos Ganesh y Kartikeya. Estamos en fecha de Dîwali y hay que celebrarlo. La estética es del Bollywood clásico, de los 50 y 60 -perdonad los efectos especiales-, con sus canciones y la puesta en escena con la iconografía tradicional, a mi personalmente me subyuga todo esto.
Los dos primeros videos nos narran la historia de la boda de Parvati y Shiva, así como todos los problemas que tuvieron. El segundo nos cuenta la historia del nacimiento y adquisición de la cabeza de Elefante de Ganesh. Despues tenemos la historia de Kartikeyan, Ganesh y Shiva enfrentandose al demonio. Y lo último en una peli Tamil de los 60, con una canción devocional del Thiruvilayadal, maravillosa!!!
Queridos lectores hoy os traigo música para despedir el año de manera genial... Y es que el Murcielago es una obra perfecta para dejar el año que muere, porque tenemos mucha fiesta, alegria y situaciones cómicas, además que la tradición asoció a los Strauss Vieneses la entrada de año, como veremos mañana desde el Konzertverein. Pero que os digo si además dirige Carlos Kleiber, y cantan Lucia Popp, Julia Varaday, Rene Kollo o Hermann Prey. Ya sabeis no podeis dejar esta oportunidad de dejar el año escuchando una maravilla de semejantes proporciones...
