sábado, 19 de abril de 2008

Sobre "la esencia del habla"

Queridos lectores hoy me apetece poneros algo de filosofía, y voy a reciclar un texto sobre cuatro preguntas que hice para la asignatura de hermeneutica filosófica el año pasado, realmente interesante sobre el lenguaje en el segundo Heidegger. Espero que lo disfruteis...

Y mañana más!!!!

Antonio de Diego González

CUESTIONARIO DE HERMENEUTICA FILOSÓFICA

Heidegger, Martin. De camino al habla. Conferencia “La esencia del habla”. Versión castellana de Ives Zimmermann, 1 Odos, Barcelona, 1987. Edición realizada de la traducción 6ª edición alemana Editorial Gunter Neske, Pfullingen, 1979.


1. Explica la dificultad de interpretar el lenguaje según Heidegger.

 La complejidad del lenguaje en Heidegger, viene acaecida por el posicionamiento que este aporta, pues pretende hacer experienciar el lenguaje de modo que debamos dejar que nos sobrepase, que nos inunde, que acaezca, según su terminología[1].

Pero la experiencia que propone Heidegger no es sobre el habla, incluso la pretensión no es la experiencia con el habla, sino la posibilidad de hacer una experiencia con el habla. La investigación científica y filosófica sobre el habla es importante y además insalvable en el mundo moderno, pero ese no es el objetivo, ya que encontramos que el lenguaje esta esclavizado por la Weltanschauung del mundo actual.

El gran problema es que, según Heidegger, nuestra relación con el lenguaje es bastante oscura y problemática. Hay que abandonar el atender a lo que ya hemos comprendido, porque esto es lo que nos pone las trabas. Para Heidegger esto es tan extrapolable al que habla,  como al que intenta hablar del habla, a los profesionales del lenguaje. Heidegger, ve altamente problemática la actitud de los profesionales del habla, intentando clarificar pues estos se han situado en el metalenguaje, muy alejados de experienciar, de vivir el habla, se produce una tecnificación, una imposibilidad de comprender el habla en su esencia en estos días (Me remito a una afirmación anterior en la que entendía el lenguaje como “la casa del ser”). El lenguaje se ha reificado.[2]

Así se oculta en su esencia para poder hablarse el habla, hacerse proposiciones de y sobre cosas, intercomunicarnos. Lo otro, el habla que habla como tal en la palabra está en aquellas situaciones límite donde lo que experienciamos es impronunciable, nos descentra, etc. Este lenguaje que nos habla es una experiencia única, personal, intransferible, podríamos decir casi-mistérica. La antigua experiencia, cuya primera representación podríamos encontrarlos en los oráculos de la antigüedad y que la modernidad se habría encargado de borrar. Todo lo anterior indica que no somos nosotros quienes llamamos al habla, ella tiene la última palabra.

Esta problemática podemos verla especialmente en el análisis poético que hace del poema de Stefan George, la palabra. Pero Heidegger, no hace un análisis científico, como podría ser un procedimiento lingüístico, sino que aplica un método basado en la conversación con el poema.

Al final del poema se nos revela el porqué Heidegger lo ha elegido para tratar la dificultad el lenguaje: Ninguna cosa sea donde falta la palabra. Esta afirmación se presenta básica para la investigación de nuestro filósofo. [3]

Cuando la palabra falta, no tiene la cualidad para poder nombrar la cosa. Sería problemático si tuviéramos que indicar la cosa sólo señalándola. El nombrar de la palabra que falta es autoritario y autorizado por la dignidad actual, pero sin reparos la acata el poeta, pensando las palabras más allá de las significaciones primarias, porque para llegar a un poema como el de Stefan George es necesario pensarlo. Lo piensa el poeta y debe de ser pensado desentrañan, pensado con suma conciencia porque se nos escapa de las manos.

Así para Heidegger, el poeta es un personaje que fue tocado esencialmente por su experiencia con el habla. Así debemos reconocer al pensamiento como la herramienta o la llave que nos abre un camino hacia el ser, hay que desarrollar la suficiente sensibilidad para, como en la visión de Nietzsche, poder separarnos del pensar calculador y extremadamente cerrado en lo material. Poesía y pensamiento “clasificador”, que es el modo contemporáneo en el que se mueve la ciencia y la técnica son irreconciliables. Pensémoslos como vecinos, se necesitan mutuamente, cada uno a su modo, cada uno en su límite. La región para cada uno es diferente pero su ámbito es el mismo.

En el camino al habla y su esencia necesitamos del habla y la esencia misma, de su consentimiento para acceder y cuestionarlas, para pensar la esencia como profundización y fundamentación, para preguntar. Este preguntar debe entenderse como una devoción obediente al pensamiento que previamente ha escuchado el consentimiento de aquello a quien vamos a preguntar su esencia, así la esencia del habla deviene habla de la esencia. Están totalmente interrelacionados.

El habla de la esencia será una frase fundamental hacia la experiencia, acompañados, de la experiencia poética previa y asumiendo íntegramente la nueva relación palabra-cosa, es la palabra la que proporciona toda cosa hacia su ser y es su garantía para permanecer en él.[4]

Solo si conocemos la esencia del lenguaje seremos capaces de poder interpretar, tan ensuciado en una época en la que el olvido del ser y los errores de la metafísica, están muy latentes aún. La clave está  en que la palabra misa es la relación en tanto que sostiene toda la cosa hacia su ser y la mantiene en él, como ya antes se había mencionado. Para Heidegger no es posible hermenéutica del lenguaje, sino tomamos el camino correcto.

2. ¿Cuáles son las raíces griegas del término habla, y qué significado tienen?

Heidegger cree que para que se nos desvele una posibilidad de hacer una experiencia pensante con el habla hay que buscar la proximidad y el lugar donde “habitan” el pensamiento y la poesía. Partiendo del anterior poema expuesta La Palabra[5]; tenemos así la posibilidad de “experienciar” una experiencia poética con el habla. Así todo el poema podría resumirse en: «Ninguna cosa sea donde falta la palabra». En realidad, la problemática relación entre cosa y palabra es una de las cuestiones primordiales que el pensamiento occidental ha suscitado, particularmente en la figura de la relación de ser y decir. Heidegger, encuentra así el origen del término habla, en el que se resuelven este conflicto se encuentra situado en el término logos[6]. Así advierte que este termino en su sentido primigenio pronuncia el ser y el decir en el nombre.

Esto que hemos dicho va unido intensamente a  que el habla por su esencia, mantiene dos vertientes una oscura y otra luminosa, bien como la presentaban los griegos, de forma del para-lelô[7], contraponiéndose hasta el infinito.

Además Heidegger encuentra en el De interpretatione aristotélico  un punto clave para  remarcar la importancia del logos, y nos dice que lo que se produce en el uso de la voz, son signos de aquello que le ocurre al alma como pueden ser padecimientos y lo escrito representa el signo de los sonidos vocales. Pues por la misma manera que la escritura no es la misma para todos, tampoco son iguales las emisiones vocales. Pero los sonidos y letras escritas son primeramente signos, esto lo son los mismos padecimientos del alma para todos los hombres y las cosas de las cuales éstos padecimientos configuran las representaciones.[8]

Estas frases de Aristóteles constituyen el texto clásico a partir del cual se hace visible la estructura a la que pertenece el habla con respecto a la fonación vocal: las letras son signos de los sonidos, éstos de los padecimientos del alma y éstos son, a su vez, signos de las cosas. Para Heidegger nosotros procedemos ciertamente de “manera harto grosera” cuando en todas partes hablamos sin mayor determinación de signos, de algo que designa y que, en cierto modo, muestra otra cosa. Aristóteles emplea claramente la palabra sêmeia, lo que denominamos habitualmente signo, pero se percata que el estagirita habla al mismo tiempo de simbola y de omoiômata.  Heidegger intenta así que tengamos muy presente toda la estructura de la relación entre signos porque a lo largo del tiempo ha permanecido canónica, aunque con toda clase de variaciones, para que se hallan dado todas las consideraciones posteriores sobre el habla.[9]

Otro punto fundamentalísimo para ver el origen griego del habla, es su conexión con el diá-logo (a-través-del -habla), es un método griego, del que también podemos extraer bastante utilidad ya que nos lleva a saltar de un nivel pragmático al abismo del preguntar que se expone (puesto que le incumbe). Ahora bien, este salto se realiza por (dia) el otro, en el lenguaje (logos) y por eso acontece como diálogo. Este elemento, fundamental en la vida de los griegos y tan ligado a la poesía (recordemos que la poesía épica era cantada) no es lo opuesto al diálogo, como en muchas ocasiones se ha querido ver, sino la manera más íntima de encontrar una afinidad con el; pues también el canto es habla, es la manifestación del logos[10]. Canto es poesía y poesía es canto, ambas se relacionan a la perfección. Para ello Heidegger recurre a una cita de Hölderlin: Ley del destino es que todos se conozcan/Que, cuando retorna el silencio, haya también un habla.[11] Para Heidegger se trata de lo que oímos  los unos y los otros, tanto dioses como mortales en la tradición griega.

Pero por si pudiera parecer endebles estos argumentos, Heidegger aporta uno más, que se puede relacionar con los griegos y su concepto de logos, al comienzo de su tercera conferencia. Se trata del término Tao. Heidegger advierte que camino (Weg) deviene de los verbos wiegen (balancear), wagen (atreverse a) y wogen (ondear), es decir que el habla esta relacionada con el camino es un fluir, donde la poesía se expanda sin problemas. He aquí lo que en el pensamiento, que Heidegger califica como poético del chino Laotse, en el Tao-Te-King. Para Heidegger Tao es muy similar a logos, ya que representa la palabra rectora de este pensamiento.

Para Heidegger el Tao podría ser el camino que lo en-camina todo, el diálogo universal (recordemos el significado etimológico de diálogo, a trabes del habla), aquello a partir de lo que sólo estamos “en condiciones de pensar” lo que quisieran decir desde su propia esencia razón, espíritu, sentido, logos. Tao, se presenta como el secreto del “Decir pensante”.  Para Heidegger, el poder enigmático del actual dominio del método tal vez provenga -aún y sobre todo - del hecho de que los métodos no son, después de todo, y sin menosprecio de su eficacia, más que los restos, o como dice Heidegger las aguas residuales de un gran río oculto: el camino que todo lo en-camina; el camino que a todo traza su vía. Todo es camino, todo es Tao, concluye Lao-Tse[12].

Pero esto sin duda no era extraño para los griegos, puesto que Heraclito ya apreció todo esto, expuesto desde la visión del fluir del devenir y la rectoría de un logos que controla, o que ejerce una presencia oculta del eterno fluir, y del que nosotros poco podemos aprovechar.

Para poder acceder a la esencia del lenguaje un requisito fundamental es hallarse en un “habla” viva y poética, para conseguir que irrumpa el “ser”, aunque nuestro tiempo intenta negarse. El diálogo y el canto griego habían conseguido transgredir, pero la técnica pronto sepulto la posibilidad de experienciar. Un ejemplo podemos verlo en la “romanidad” de la metafísica, a partir de las traducciones al latín realizadas en la que se pierde la “esencia griega”, que antes mencionamos, para pasar a la pragmática latina con todo lo que conlleva, es decir la eliminación tanto de melodía y ritmo de la obra griega a favor de la técnica latina, de hacerlo efectiva, de armarizarlo (gestellen) y por ende hacer que pierda su espíritu.

3. ¿Qué relación guarda el habla con el ser?

El habla da la posibilidad  de manifestar el ser. En el lenguaje, en el habla se manifesta el SER, porque es donde podemos ver como ACONTECE. El lenguaje es la casa del SER, nos dice Heidegger.[13] El lenguaje no es su concepción clásica, sino su naturaleza esencial. Así podemos hablar de un lenguaje vivo, es el habla, no lo que se contiene en un diccionario o una gramática. En cada época histórica el lenguaje tiene una determinación o configuración que es la principal manera en que en dicha época acontece el ser. Los conceptos cambian su sentido y se fragua así el pensamiento metafísico tal y como lo conocemos.

Para comprender bien esto debemos tener  una visión panorámica del SER en el segundo Heidegger. Para él el ser ha borrado en nuestra época. Tanto que el ser es el horizonte a nuestra vida. Así se manifiesta ocultándose, la opción correcta es descubrir el Ser OCULTO. Este no se muestra como respuesta.

Heidegger revela [no desoculta] el ocultamiento del SER. En un mundo tecnificado por extensión, el ser esta oculto. El mundo tecnificado se ha manifestado la voluntad de poder.  Todo se tecnifica, hasta la naturaleza se ve como un objeto artificial. Perdemos la visión autentica del mundo. La única forma de experienciar el SER es como AUSENCIA. Antes de eso debemos ser conscientes de la alienación de la naturaleza en su origen. Ahora se des-subjetiva el concepto de SER, es existir en su facticidad, concreción y singularidad. Así Heidegger evoluciona, mientras que en su primera etapa importaba “el ser humano”, ahora lo importante es “el existir del todo”.

Por ejemplo en Carta sobre el humanismo (Brief über Humanismus), responde a la cuestión planteada. Ninguna respuesta es valida, solo ahonda en la cuestión y rechaza tajantemente el humanismo (que consiste en asignar en el SER, un papel primordial al ser humano), porque el SER acontece al margen del hombre. La técnica ha tapado el misterio interrogativo de la naturaleza. De ahí que se haga una historia de la metafísica, en los grandes pensadores y poetas aparece el tema. La filosofía se convierte en la historia de la metafísica, para intentar trascender la metafísica, que fue la que hizo ente al SER. La técnica es metafísica aplicada. La solución es difícil, porque la metafísica es muy difícil de superar. Así empezamos el tipo autentico hermenéutico. Pensar esencial,  se trata de interrogar. Tenemos que  aprender a pensar.

Para Heidegger algo es solamente cuando la palabra apropiada - y por tanto pertinente - lo nombra como siendo y lo funda así cada vez como tal. Así vuelve a pensar en el poeta Stefan George quien nos recordaba que el ser de cualquier cosa que es, reside en la palabra[14]. El poeta no dice nada de la cuestión, permanece en una actitud transmetafísica. Para Heidegger aquí se halla la validez de la afirmación: el habla es la casa del ser. Él confirma, a través de la poesía una frase pronunciada en otra ocasión, en otro contexto más orientada al pensamiento.

 

Así se para Heidegger habríamos rebajado la poesía a convertirse en más que justificación para el pensamiento y a éste lo habríamos tomado como algo demasiado fácil; pero nos advierte que correríamos el riesgo de olvidar lo que importa primordialmente: hacer una experiencia con el habla.[15]

Para superar el pensamiento metafísico y por tanto “atisbar” el SER, hay que aplicar  romper el lenguaje analizando al máximo las etimologías. Heidegger nos dice que sólo el hecho de que llamemos Mundarten (etimologias)[16] a los distintos modos de hablar según los territorios, es algo que apenas ha sido pensado. La diversidad no solo se fundamenta primeramente en las diversas formas de inicio de las herramientas del habla. Para Heidegger en el dialecto, el paisaje, y esto quiere decir la tierra (hablamos de un contexto vital), por esa razón se habla siempre de modo distinto. Heidegger advierte que la boca no es sólo una clase de órgano del cuerpo. Pues debe de ser el organismo completo el que hable, es el cuerpo y la boca los que para Heidegger pertenecen al fluir y al crecimiento de la tierra en cuyo regazo nosotros, “los mortales”, en la que crecemos y recibimos la autenticidad de nuestras raíces (Bodenständigkeit).

Heidegger se plantea que la tercera conferencia tiene como meta llevarnos propiamente ante la posibilidad, es decir, ante lo que haría posible que tuviéramos una experiencia con el habla. Para él lo importante es que permanezcamos en el camino emprendido dentro de la vecindad de poesía y pensamiento. En esta vecindad debemos estar atentos con nuestra mirada alrededor por si nos muestra que transforma en nuestra relación con el habla.

Para Heidegger el camino que debe llevarnos hasta aquello que posibilita, que se nos ha dicho que conducía sólo allí donde ya nos hallamos. Para Heidegger este camino no es limitación sino pura simplicidad en el camino. El camino nos deja llegar a lo que nos de-manda y en cuyo ámbito ya nos hallamos.  Allí donde ya nos hallamos, lo estamos de tal modo que al mismo tiempo no estamos allí, en la medida en que aún no hemos conseguido mismamente aquello que de-manda a nuestra esencia.

Lo que nos acompaña en el camino está contenido en la palabra rectora que indicó Heidegger en la primera conferencia. No clarifica todavía el carácter indicador de camino de la palabra rectora. Pero para Heidegger tampoco es posible que esta dilucidación tuviera lugar. Porque más adelante nos enseña propiamente el ámbito al que pertenece el camino; el camino, requiere hacer de séquito, obedeciendo a la palabra rectora, quien en palabras de Heidegger nos hace señas delante de nosotros.

Aquí se muestra profundamente la vecindad de poesía y pensamiento. Vecindad para Heidegger significa: morar en la proximidad. Así se nos advierte que tanto poesía como pensamiento son modos del decir.[17]

Ahora, a la proximidad que conduce poesía y pensamiento a su mutua vecindad, Heidegger la llama die Sage, el Decir. Así supone que en él reside la esencia del habla. Tanto Sagen, sagan, decir, -para Heidegger- significa mostrar: dejar aparecer; liberación luminosa-ocultadora, entendida como ofrecimiento (lichtend-verbergend frei-geben als dar-reichen...) de lo que llamamos mundo[18]. Desde la perspectiva de Heidegger el luminoso-velador, enmascarante ofrecimiento del mundo es la naturaleza esencial del decir. La frase rectora para el camino dentro de la vecindad entre poesía y pensamiento contiene una indicación, siguiéndola quisiéramos llegar a la proximidad desde la cual se determina esta vecindad.

Pero esto solo es posible desde una actitud de descubrir la esencia del ser, con el pensamiento transmetafísico, como proceso reconstructivo, donde encontramos más negatividades que cosas positivas. Así empezamos el tipo autentico hermenéutico. Pensar esencial, se trata de interrogar. Es el pensar del paso atrás. Tenemos que  aprender a pensar, para atisbar el SER. Esto solo esta en la vecindad entre poesía y pensamiento.

4. ¿Qué es el advenimiento apropiador?

Como habíamos visto la proximidad entre poesía y pensamiento no es el resultado de un proceso por el que poesía y pensamiento vendrían - no se sabe de donde - primeramente a unirse, originándose así una unión próxima, lo que Heidegger denomina “una vecindad”. Ciertamente poesía y pensamiento mantienen una “delicada aunque luminosa diferencia” (lo que hablabamos anteriormente del para-lelô[19]), separación que no es condena a no tener relación. Poesía y pensamiento se entrecruzan en el in-finito por el trazo que avecina sus esencias en mutua proximidad. Eso es el advenimiento apropiador mismo (Ereignis) desde el cual poesía y pensamiento están remitidos a lo propio de su esencia y si lo que hace próximos a la poesía y el pensamiento es el Decir, el advenimiento apropiador es aquel Decir desde donde el habla nos dice su esencia y sólo al hombre en cuanto tal le es dado y dable el habla. Sólo al hombre el habla consiente decir su decir confiador. [20]

Espacio y tiempo han sido tradicionalmente parámetros de representación, producción y acumulación, pero ahora nos sirven ahora como punto de partida a un ámbito nuevo. Allí donde toda distancia es “medible”, aparece como su negación lo in-distante; donde todo lo equi-valente es voluntad de dominación y control de la tierra por el cálculo uniformizador. Por esta lucha se niega la proximidad, se aniquila el en-frente-mutuo de cada una de las regiones del mundo y se esconde, se oculta la esencia de espacio y tiempo en relación con la esencia de la proximidad.[21]

Para entender que el tiempo temporaliza y el espacio espacializa es necesario pensar la identidad. Temporalizar es madurar, dejar crecer y eclosionar. Estar a tiempo es emerger en la eclosión (das Zeitige). Se temporaliza lo que viene, lo contemporáneo, lo que eclosiona con su tiempo. Con-temporáneo del tiempo es lo que fue, lo que es y lo que será, pasado, presente y futuro. En la temporalización el tiempo integra en sí mismo su triple simultaneidad y en ese retraimiento y aporte el tiempo en-camina aquello que lo con-temporáneo espacializa: el espacio temporal. Para Heidegger el tiempo mismo, en la totalidad de su esencia, no se mueve sino que reposa en silencio[22].

Igual ocurre con el espacio, libera y reúne localidades y lugares, asume lo con-temporáneo como tiempo espacial. Para Heidegger el espacio mismo, en la totalidad de su esencia, no se mueve, yace en en silencio. El retraer y aportar del tiempo y el espacio, temporalizando y espacializando pertenecen a lo Mismo, al juego del silencio (der Zeit-Spiel-Raum).[23]

Poner-en-camino el en-frente-mutuo en la cuaternidad de mundo hace advenir proximidad, en tanto que esencia, Nahnis. ¿En-caminar es Ereginis (advenimiento apropiador) del silencio? También esto pertenece a la esencia del habla y en el mismo sentido de las tres conferencias, que componen el artículo. Heidegger propone llevarnos ante una posible experiencia con el habla en forma tal que desde ahora nuestra relación con el habla sea lo digno de ser pensado. Una nueva experimentación del habla.

En un primer acercamiento hemos llegado a determinar el Decir como un mostrar, un dejar aparecer, como un donador ofrecer mundo en des-en-cubrimiento y proximidad como puesta-en-camino del en-frente-mutuo de cada una de las regiones del mundo. Es posible percibir el Decir como esencia del habla, resonando en retorno a la esencia de la proximidad. Proximidad y Decir como lo esenciante del habla son lo Mismo. Aquí está la posibilidad de hacer una experiencia con el habla. ¿En qué medida?

El habla, Decir de las regiones del mundo, es más que relación palabra-hombre. El habla como Decir en-caminador del mundo es la relación de todas las relaciones, en ella suspendida y enriquecida el en-frente-mutuo de todas las regiones del mundo, las tiene y custodia mientras el Decir se retiene en sí. En esta retención el habla nos de-manda como Decir de la cuaternidad del mundo, a nosotros, hombres de esa cuaternidad, a nosotros que hablamos en tanto que correspondemos al habla.[24]

Un “es” se da donde se rompe la palabra. Lo que desde antes nombrabamos como paso atrás en el camino del pensamiento es propiamente la ruptura de la palabra, el paso de su sonoridad al silencio. El dejar paso a una actitud distanciada.


NOTAS Y REFERENCIAS

[1] E.H. Pág. 143

[2] E.H. Pág. 144

[3] E.H. Pág. 147

[4] E.H. Pág. 145

[5] E.H. Págs. 145-46

[6] E.H. Pág. 165

[7] E.H. Pág. 175

[8] E.H. Pág. 182

[9] E.H. Pág. 182

[10] E.H. 163.

[11] E.H. 163

[12] E.H. 177

[13] E.H. Pág. 149

[14] E.H. Pág.149

[15] E.H. Pág.149

[16] E.H. Pág.184

[17] E.H. Pág.177

[18] E.H. Pág 179

[19] E.H. Pág. 175

[20] E.H. Pág. 175-176

[21] E.H. Pág. 191

[22] E.H. Pág. 191

[23] E.H. Pág. 192.

[24] E.H. Pág. 194

jueves, 17 de abril de 2008

Butterfly en la mirada de Calixto...



Ojala nos trajeran esto a Málaga, y no la puesta empalagosa de Kemp. Es como una peli actual, pero con la música de Puccini, esa tan rallante... Así si vería Butterfly!!!

Calixto ven a hacer ópera a Málaga urgentemente!!!!!

miércoles, 16 de abril de 2008

Sino hay Tannhäuser bueno es un Lohengrin...

Por problemas de tiempo voy a tener que posponer mi crónica musical del Tannhäuser, así que os dejo con el Lohengrin de Katherine Wagner...



Mi escena favorita, la súplica de Elsa y la llegada de Lohengrin...

A disfrutar y mañana espero que más!!!!

lunes, 14 de abril de 2008

Tannhäuser Barcelona (2): Con Peter Seiffert...


Peter Seiffert y un servidor en los camerinos del Gran Teatre del Liceu tras el Tannhäuser del pasado jueves. 

Y dentro de unas horas la crónica musical de aquel día, jejejeje...

sábado, 12 de abril de 2008

Tannhäuser Barcelona (1): La puesta en escena

Queridos lectores, antesdeanoche fui partícipe de una de las experiencias operísticas más impresionantes de mi vida, un Tannhäuser que lo firmaban el canadiense Robert Carsen en lo escénico y el alemán Sebastián Weigle en lo musical. Amen de la impresionante prestación del tenor alemán Peter Seiffert, quizás el mejor interprete masculino de Wagner junto a Domingo.

Empezamos por la producción que firmaban Robert Carsen en la dirección escénica y haciéndose cargo de una parte del diseño de iluminación junto con Peter van Preet, Paul Steinberg en la escenografía, Constante Hoffmann en el diseño de vestuario y coreografía de Philippe Girardeau. Como todos sabemos Carsen ha realizado una “revisión dramaturgica” -que por otra parte justifica estupendamente en el artículo publicado en el programa de mano- trasladando la acción al mundo de las artes plásticas en vez al de los “casposos” cantores medievales. Pues bien, el experimento funciona y es más llega a convencer más que la ya sobreconocida historia original. Con eso y unos recursos dramatúrgicos interesantes como establecer dos binomios vitales de personajes haciendo girar todo en torno a la mente del cantor y otorgar a Tannhäuser una personalidad “histriónica” en todo su sentido capaz de conseguir primero “cabrear”, para tras un final de “muerte” fascinar al público “cool” que puebla los saraos artísticos, y provocar el deseo más impresionante en la casta y virginal Elisabeth.

Es impresionante ver como la psicología y la progresión de cada personaje está trazada desde el primer acorde de la ópera de R. Wagner. Describiendolos brevemente, hay que comentar que Tannhäuser es un artista con un trastorno de personalidad histriónico y narcisista que vive enfrascado en su búsqueda anárquica y personal de su obra capital. Ante él, se alzan dos mujeres la sensual Venus, totalmente erótico y que fomenta el lado creativo de nuestro “antihéroe”, que lo hace sumirse en convulsiones y pulsiones artísticas consiguiendo que exprese su creatividad, pero del que nuestro “pintor” acaba hartándose al no encontrar ese componente de trasgresión, al estarle todo permitido, cae en un hastío que paga despreciando la voluptuosidad de la diosa. En el mundo terrenal le espera la ñoña Elisabeth quien en este montaje sufre una transformación, es más consigue desarrollar su parcial sexualidad y al final se convierte en el contrapunto que necesita Tannhäuser. Carsen incide tras una lectura profunda que la figura de Elisabeth es de suma importancia porque otorga todo lo que desprecia Tannhäuser, aunque este lo desprecie: el juicio sensato, la mesura y sobre todo la vida segura. Seguramente Tannhäuser con ella moriría, igual que moriría el dios que necesita cometer la transgresión, el artista necesita lo mismo para llegar a su consecución… Para Carsen Elisabeth protege a Tannhäuser porque ella anhela su manera de vivir, de vivir su sexualidad, su libertad, su transgresión… Por último Wolfram es la última pieza que falta para construir todo, el ama a Elisabeth tal como es, pero no puede ofrecer nada, tan solo una amistad con Tannhäuser que no existe. Wolfram es un eterno arrastrado, jamás llegará a nada, lo sabe y se resigna. Para Wagner y su contexto estricto –recordemos sus conexiones con Bakunin- lo peor que puedo haber es un Wolfram…





Describiendo en la escena hay que incidir en el fabuloso comienzo con la musa -Venus en esta producción- , totalmente desnuda y fomentando la creatividad del artista, quien está más interesado en su trabajo de creación que en la voluptuosidad de la diosa. Es más cuando comienzan los acordes con el leitmotiv de Venus, la escena cambia multiplicandose los Tannhäuser creadores -estupendo ballet-, quienes terminan en una frenética danza “originaria” en la que se mezcla pintura, sangre, erotismo y en la que Venus exige que la sexualidad no se reprima para crear, es el acto originario en el que esa líbido que existe, estalle en creatividad. Así Tannhäuser acaba entre las voluptuosas formas de la diosa, sometido a ella. Pero Tannhäuser está aburrido, está aburrido de no ofender el “status quo” de nadie, de transgredir en privado, de ser un mero voyeur de las perversiones de su diosa y no ser un exhibicionista público. Por eso decide marchar, por tres veces lo intenta, pero la diosa lo retiene, hasta que pronuncia las palabras: “Mein Heil liegt in Maria!”
Con lo que en el escenario se abre un haz de luz por el que se atisba el nuevo mundo que le espera a nuestro “antiheroe”. Cantan los peregrinos y un pastor a la lejanía. Los “pintores del Wartburg” llegan y convencen a Tannhäuser para ir a ver a Elisabeth, aquella que lo idolatra tal como es, pero que para él poco importa, aunque en Wartburg volverá a ser él.

El segundo acto Carsen lo plantea de manera interactiva, y del fondo de la platea atraviesa una joven de aspecto angelical ataviada de manera “pija-ñoña”, tímida y que anhela tiempos pasados. Y es así, sus gestos, la gestualidad diseñada por Carsen dan el juego perfecto. En esto aparece Tannhäuser con Wolfram, y cantan el duo pero separados, como guardando esa “cortesía”, esa “represión”, una sexualidad no resuelta por parte de ella. El Landgrave anuncia que comienza la recepción y trompetas tocan en platea, y de allí aparecen una trouppe de gente que se abalanzan como fieras a por el champagne y los canapés -grande CARSEN por poner este detalle!!!!- y evidentemente el coro está exquisitamente caracterizado pues tenemos la señora “leopardo” la típica hortera que se cree que va fashion y va para matarla, los “cool”, los figurantes culturales, los que hacen comentarios, los enteraillos, etc. Bueno toda la “fauna” del mundo del arte, burgueses y nuevos ricos que intentan ser lo más, pero que cuando ven auténtica creación no son capaces de aceptarla. Y eso es lo que pasa, los conservadores y casposos Wolfram y Walter exponen sus obritas con la algarabía de la gente, pero Tannhäuser causa el estupor con su cuadro salido de su mente dominada por la creación libidinosa. Solo Elisabeth lo ayuda y lo defiende, porque quiere dejar de ser ella, quiere ser como él pero no se atreve. La “jet-set” mandan a Tannhäuser con mala crítica al exilio cultural como a otros artistas (Monet, el propio Wagner, Egon Schiele, Picasso, Peter Konwitschny, Bieito en la actualidad…), porque al final son tan catetos de no saber donde está ala autentica creación trasgresora, la que fascina y cautiva. La mediocridad se apodera de toda la sala y es que los “pseudo-cultos” que quieren mantener su “status quo” impoluto han hablado…





En el tercer acto viene para mi gusto uno de las mejores pinceladas de este montaje, y es el descubrimiento de la sexualidad y la creación por parte de Elisabeth. Y es que durante el preludio ella descubre el colchón donde yacieron Venus y Tannhäuser, tras observarlo y con esa triste música se despoja de su ropa, sus zapatos de tacón y se queda en camisón, y justo con el última sección de la música comienza a masturbarse, a sentir lo que siente Tannhäuser cuando crea, empezando a entrar realmente en el mundo de Tannhäuser. Tras la decepción de no encontrar a Tannhäuser, canta su aria extasiada encima de la cama y se dispone la sabana como la misma Venus, ha llegado la hora de cambiar. Para Wolfram a muerto, pero para Tannhäuser ha llegado su redención y no redención como la romanticona que propone Wagner, sino una redención conceptual. Wolfram canta absolutamente deprimido su romanza, sumido en la mediocridad. Llega Tannhäuser, quien narra los desprecios y el no querer aceptar el arte dominante que lo obligaría a destruir su lienzo, que lo ha acompañado durante toda la ópera, como han hecho los demás. Al final y apunto de entrar en una fase suicida y un tanto autodestructiva, monta el show, pero la conjunción de Venus y Elisabeth ambas en el mismo estadio de “museidad”. Solo si se es Musa podrá la amada competir con el mismo arte, y la coversión de Elisabeth en musa a través de su trasgresión, hace que la obra de Tannhäuser se consagre haciendole un artista digno de entrar en la historia, ahí es cuando cae entre sus dos musas Venus y Elisabeth, el símbolo de la muerte, morir significa para un artista la fama. 

Carsen nos plantea que Wagner quiso escribir una ópera para animar a su público a lo que significa ser artista y crear un arte nuevo... 

jueves, 10 de abril de 2008

Sin titulo...



Me voy, ya contaré a mi regreso...

Sed buenos, y meditad con Rothko.

lunes, 7 de abril de 2008

Algo decadente, necesito algo muyyyyy decadente

Queridos lectores hoy es uno de esos dias que necesito algo muy, muy decadente... Por eso le meto mano a la opereta vienesa y más concreto a una almibarada obra maestra como es Das Land des Lächelns (El pais de las sonrisas) de Franz Lehar. Orientalizante, tremendamente kitsch y con ese regusto años 20 que la hace tan interesante...



Así que dejamos Tannhäuser para mañana, y tan solo 3 dias para ver esa maravilla que firman Carsen y Weigle...

domingo, 6 de abril de 2008

Nos acercamos a Tannhäuser (1): Comienzo y la escena con Venus...

Queridos lectores, solo quedan 4 dias para que vaya a ver a Peter Seiffert, Petra Maria Schnitzer y Robert Carsen en uno de los grandes exitos de la temporada 2007/08 del Liceu, Tannhäuser. Por eso voy a poner unos videos para calentar el ambiente...





Tito Herbito dirige la Overtura de Tannhäuser con su siempre hiperdisiciplinada, Berliner Philarmoniker, en el año 1975...



Despues de la gran fiesta de Venus -eso de orgía o bacanal está mal expresado, y la semana que viene contaré el por qué- en la horrible, neutra y kitsch producción del MET de Nueva York acargo de Otto Schenk. ¿Que se salva? Poco, quizás la Troyanos y sus tetas, juas, juas, juas



La mejor producción hasta la actualidad de un Tannhäuser, Götz Friedrich, un autentico guru cultural para mi. Lo que yo hubiera dado por estar aquel día de Julio del 72 en el Festival de Bayreuth, donde se montó la de Dios...



La primera producción de Tannhäuser que vi, la de Kupfer (que me encanta, me parece interesantísima), allá en Madrid en 2002. Aqui vemos una de sus innumerables reposiciones -ya ha viajado por medio mundo- con la mezzo Tichina Vaughn en Hamburgo.

Bueno esto es todo por hoy mañana seguiremos, que tengais un buen día con las Venus que os he puesto...

sábado, 5 de abril de 2008

Homenaje a tito Herbito...



Hoy hace 100 años que nació uno de los directores más importantes de todos los tiempos...

Y como colofón una Walkiria con Vickers en Salzsburg:

jueves, 3 de abril de 2008

Deleuze sobre la esquizofrenia

Coro de Doctor Atomic basado en la Bhagavad Gîta...




John Adams
Doctor Atomic

De Nederlandese Opera
Muziektheater, Amsterdam, June 2007

Nederlands Philharmonisch Orkest
Koor van De Nederlandse Opera

Conducted by Lawrence Renes
Regie: Peter Sellars
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At the sight of this, your Shape stupendous,
Full of mouths and eyes, feet, thighs and bellies,
Terrible with fangs, O master,
All the worlds are fear-struck, even just as I am.
When I see you, Vishnu, omnipresent,
Shouldering the sky, in hues of rainbow,
With your mouths agape and flame-eyes staring—
All my peace is gone; my heart is troubled.
—Doctor Atomic (act 2, scene 2, chorus)
(Bhagavad Gîta 11)


No puedo poner más, estoy cansado y tengo sueño.... Pero PEDAZO DE ÓPERA!!!!

martes, 1 de abril de 2008

Los Foyerawards...

Queridos lectores, este finde han salido los resultados de los foyerawards, los premios que otorga el foro, La Tertulia del Foyer a sus miembros, por todo el año. Y nada, pues me han caido dos foyerawards, el primero por mi número de mensajes (10.000 en año y medio) y por ser un "metomentodo", el premio Cheryl Studer:



Y el segundo el de "Talifán" 2007 (se lo he quitado a Gouver por su defensa de JDF, a _Annio_ por su defensa de Gruberova, y a Sonnambulo por su defensa de Callas) , por defender irracionalmente a Peter Konwitschny y a Calixto Bieito, así que se lo dedico a estos dos grandes de la escena internacional:


Vamos para descojonarse, juas, juas, juas... Gracias a los que me votasteis!!!!!  Si los quereis ver todos, pichad aqui.

Un abrazo, y mañana seguimos con más...

Nabucco y las abejas. Cuidado no os vayan a picar...



La propuesta de Hans Neuenfels para la Deutsche Oper de Berlin de la ópera Nabucco. Es rompedera, provocadora -con toda la intención sabiendo de quien viene- e iconoclasta. ¿Le habría gustado a Verdi? Quien sabe, si quereis hacemos una ouija y se lo preguntamos. Por eso recomiendo a mis queridos e indignados tertulianos ,que se relajen y que respiren hondo...

Mientras que ellos se indignan, y se rasgan las vestiduras -ay que ver, con lo caras que son- yo me voy a reir un rato, viendo a Abigaille y las abejas, jejejeje...

sábado, 29 de marzo de 2008

Salome, komm, iß mit mir von diese Früchten. (y seguimos con Salome, 3)

Queridos lectores, lo prometido es deuda así que vamos con ello, será sin duda un artículo largo. Además ya os había dicho que a mi esta escena me resulta la mejor con diferencia de toda Salome… Se que esto vuelve a ser una opinión extremadamente heterodoxa y provocadora, porque habrá quien piense que lo mejor la danza de los siete velos o el final de “besar en la boca al Bautista”, pero a mi no me parecen nada comparado con la que os propongo.

La escena comienza totalmente convulsa, tras encontrarse Herodes con el cadáver de Narraboth. El desprecio es la primera sensación que le inunda, pero después el frío y el miedo se suceden, quitándole importancia Herodias, quien dice que la verdad es que Herodes está enfermo. Este le dice que no y advierte que es su hija la que realmente está enferma (=>Ich bin nicht krank. Aber deine Tochter ist krank zu Tode.), pero enferma de muerte, debido a su extremada palidez y su actitud totalmente pasiva. Al espectador que ha presenciado los cuarenta minutos de representación anteriores sabrá por qué, el Bautista ha rechazado a Salome, culpabilizando sobre ella y su madre una actitud lujuriosa y pecaminosa, tan lejana de él, de “castrar” todo tipo de impulsos físico y psicológicos. Y la negativa ante el impulso de Salome, ha provocado en ella un desasosiego que ha logrado desestabilizarla. Para Jokaanan –que no entiende los impulsos de una adolescente- se trata de una pecadora, que debe de ser condenada, pero una visión más neutral nos revelaría que Salome no es tan culpable, sino desde el contexto necio y puritano donde se ha criado, es más atrevería ver que Salome no es más que una victima de ese pretendido afán de pureza, que vive en un hastío diario de erotismo y lujuria satisfecha, haciendo que busque sensaciones muchísimo más fuerte. La agresividad de un santo como Jokaanan, no es más que la prepotencia del hombre moderno, del proyecto “aufklärer”, ante los instintos. Cierto es que desde una visión Kierkeggardiana se nos rechazaría de pleno la posibilidad de “realización” y la posibilidad de “libertad”, aunque yo me atrevo a augurar que en el contexto en el cual se desarrolla la obra aun es más difícil intentar coartar las pasiones, en pos de una santidad mediocre basada en un ascetismo plano y desértico.




Pero ella no es la única que sucumbe a esto, y es que aquí es donde entra en juego Herodes. Este le ofrece por tres veces, tres posibilidades o mejor tres fetiches con los que ejercer un poder bastante grande:

1) Vino del Cesar => Los Labios.
2) Fruta exótica => La mordida, la violencia.
3) El trono de Judea => La corporalidad en todo su amplísimo esplendor.

No es extraño hablar que en Herodes podemos percibir un intensísimo fetichismo basado en la figura de Salome. Es más el mismísimo Herodes, por su formación Helenística, seguramente habría desarrollado un gran gusto por todo tipo de fetiche, por ejemplo la LUNA (=>Verbergt den Mond, verbergt die Sterne! Es wird Schreckliches geschehn.) y su obsesión por apagarla, como para quitar un espía o un observador de su culpabilidad. Esto no es más que una reminiscencia a Diana, la diosa romana de la caza, que era el emblema de la castidad, todo lo contrario que sucede en el palacio de Herodes.

Y dentro de la escena que nos ocupa y volviendo al tema del fetiche, analizaré ahora el primer ofrecimiento de Herodes a Salome:

Traedme vino!

Salomé, ven y bebe conmigo,
es un vino exquisito.
El propio César me lo ha enviado.

Moja en él tus pequeños labios,
tus pequeños labios rojos,
luego, yo vaciaré la copa.



Herodes incita a Salome, a beber un vino carísimo y exclusivo, un vino que el mismísimo Tiberio le ha regalado. Seguramente eleva de categoría social de hijastra a posible amante, es decir a la posición de la madre. La parte erótica del ofrecimiento llega cuando hace mención al aspecto corporal. Hay que señalar que todos los privilegios de Herodes tienen una doble estructura basada en un primer nucleo con un argumento ad-autoritatem sobre cosas exclusivas, y un segundo núcleo basado el aspecto erótico-corporal-fetichista. De hecho en este primer ofrecimiento encontramos como Herodes se recrea diciendo que moje sus pequeños labios rojos, que tan solo los moje y nos damos levemente cuenta que se trata de incitarla a que lo bese indirectamente, ya que ellos al compartir la misma copa, en el mismo momento y en el mismo lugar, tiene una altísima carga erótica sobre todo para un fetichista como Herodes… Ante esto, la princesa sigue totalmente fascinada por lo prohibido que alimenta su morbosa curiosidad, y niega su deseo al Tetrarca (=>Ich bin nicht durstig, Tetrarch.). Y además Herodias se da cuenta de su perdida y rerimina al Tetrarca las miradas hacia su hija (=>Warum starrst du sie immer an?), pero Herodes hace caso omiso y contrataataca con esto:

¡Traed frutas maduras!

Salomé, ven y come conmigo
de estas frutas.

Es tan agradable la huella
de tus pequeños dientes blancos
en una fruta.
Muerde sólo un poco,
sólo un poco, de esta fruta,
luego, yo comeré lo que quede.


Herodes incrementa aun más su carga erótica y fetichista, con el gesto de morder. Beber no implica violencia, sino dulzura de una adolescente cuidadosa, sin embargo morder si que la implica. Para un contexto abrahamico –ya sea judaísmo, cristianismo o afines- el morder va unido con el pecado original y a un aspecto fetichista, el del desvelamiento de la sexualidad. El morder que para el contexto en el que no estamos moviendo indujo la caída. La fruta representa la tentación, a lo que el ensimismamiento de Salome responde que no. Pero tenemos que ver que esto deviene del puritanismo que hablábamos anteriormente, así se niega el deseo a las mujeres porque en su cuerpo se aloja el alma de Eva. Pervierte el simbolismo de lo femenino y cambia el paradigma del eterno Paraíso, por la expulsión al abismo y la maldición de arrastrar la culpa del pecado original. Así podemos ver que el momento en que aparece la fruta vemos el momento de transito entre la niña y la mujer, el paso del ente asexuado y el erótico, y el momento en que modería la fruta, se puede interpretar como el descubrimiento de la sexualidad en sí, que viene acompañado de una pseudo-muerte, que tiene mucho que ver con el concepto griego de "Eros" y "Todestrieb", deseo y muerte unidos en el símbolo de morder una fruta, escena que se identifica estrechamente con la expulsión de paraíso. Eso es lo que lleva al final que sufre Salome, la muerte… Ahora podemos ver como todo se interrelaciona, no vemos la gratuidad en ningún momento. La princesa responde con un no tengo hombre (=>Ich bin nicht hungrig, Tetrarch.), el Tetrarca ante sus tentaciones se desespera y añade a Herodias que su hija esta mal educada (=>Du siehst, wie du diese deine Tochter erzogen hast!) -cuando realmente sigue ensimismada- y le responde Herodias enfadada, con una falsa moralina que ellas provienen de estirpe real (=>Meine Tochter und ich stammen aus königlichem Blut). Ante esto la última aseveración del monarca es:

Salomé, ven y siéntate a mi lado.
Yo quiero que te sientes
en el trono de tu madre.


Herodes, ya hace explicito su deseo por toda la corporalidad de la princesa, después de haber ofrecido la exclusividad del vino y el paso desde la infancia asexuada hacia lo erótico a través de morder la fruta, que simbolizaba el poder. El trono es el poder terrenal de Herodes, es el ofrecer anular a su esposa por la juventud erotizada de Salome. Herodes llega al máximo fetichismo deseando, que al ocupar ese trono ocupe también su lecho. Al tenerla en el trono, significaría una posesión personal sobre ella. Herodes habría pasado de tener el fetiche de sus labio, de su poder sexual a través de la mordida a convertirla en un objeto más de su reino, así conseguiría desubjetivizarla, es una estructura realmente interesante. Pero ella que no ha deseado en ningún momento a Herodes, ni su poder -esto es muy importante- y por ende lo vuelve a rechazar por tercera vez (=>Ich bin nicht müde, Tetrarch), de hecho ella lo interpreta como cansancio y no como poder.




El “acoso” de Herodes se detendrá por la recriminación del Bautista, pero retornará después, pasando a una manifestación más erótica que las que hemos visto, más erótica que la posesión del cuerpo, como es la “danza”, mucho más insinuante, y sobre todo un medio mágico para alcanzar cualquier cosa… Pero este es otro tema, que otro día abordaré.

Gracias por aguantar el rollo, y espero que os haya gustado. Mañana más…

viernes, 28 de marzo de 2008

Tamerlano dramático de verdad...





Queridos lectores hago un parentesis breve con Salome (no os preocupeis, os volveré a rallar esta noche, jejejeje...) y es que Domingo acaba de estrenar Tamerlano, la ópera más "teatral" de G.F.Haendel, y por lo tanto a D. Placido esto le va que ni pintado, a pesar de no ser un cantante barroco segurísimo que hará una prestación de gran nivel como siempre que hace algo,,, Hay que resaltar que las funciones se grabaran en DVD (para el sello OPUS ARTE) y se retransmitirá por RNE el día 1 de Abril.

Ahora os dejo con las críticas del ABC y de EL PAIS:

CRÍTICA: ÓPERA 
Plácido barroco 
J. Á. VELA DEL CAMPO 28/03/2008 

Vota Resultado 18 votos 
De desembarco barroco en Madrid se puede hablar, con las representaciones de Tamerlano, de Händel, en el Real desde el miércoles, con Plácido Domingo de padrino de excepción, y Bajazet, de Vivaldi, escuchada ayer en versión de concierto con Fabio Biondi de maestro de ceremonias. Las dos óperas versan sobre el mismo tema y tienen idénticos personajes. La ópera barroca se impone y eso, mal que les pese a algunos, es un signo de normalización en la actividad de un teatro, pues el mundo lírico tiene ya cuatro siglos a sus espaldas y cada época, cada estilo, debe tener su oportunidad. Es cuestión de equilibrio. 

La estrella, en cualquier caso, de esta oleada se llama Plácido Domingo. Haga lo que haga, cante lo que cante, se convierte en el foco de atención. Cuando, hace ya unos añitos, comenzó su travesía wagneriana se armó un revuelo considerable. Ahora es indiscutible en ese repertorio hasta en el mismísimo Bayreuth. Hace un par de años asistió allí de incógnito a una representación de La walkyria, y al ser descubierto en la sala recibió la mayor ovación de la noche. Fue precisamente en uno de los intermedios de aquella representación cuando hablé con él por primera vez de Tamerlano. Lo tenía muy claro. Su intención era terminar su apabullante carrera incorporando tres nuevos personajes. El de Händel era el primero. Después será el turno de El retorno de Ulises a la patria, de Monteverdi, y, para concluir, Simon Boccanegra, de Verdi, en el papel de barítono. Reconozco que no me sorprendió. Domingo se conoce muy bien a sí mismo y sabe lo que puede cantar mejor en cada momento. El barroco era quizás su única asignatura pendiente, y Verdi es uno de sus grandes amores, del que ha grabado toda su obra para tenor. En cuanto al estilo barroco, era cuestión de estudio. Domingo se puso el traje de la humildad y empezó a trabajar sin descanso en una demostración de responsabilidad. 

El Real, que se ha apuntado el tanto del estreno, ha puesto alrededor de Domingo un elenco de especialistas. En primer lugar, Paul McCreesh, al frente de una Sinfónica de Madrid, reforzada en el continuo por Benjamín Bayl y Joseph McHardy al clave, por Christopher Buckling al violonchelo y por Jorgen Skogmo a la tiorba. La orquesta sonó bien, aunque con un punto de languidez en el primer acto. Con una lectura más contemplativa y camerística que teatral, pero con despliegue de matices y sobre todo estimulando la creación precisa y poética de una atmósfera barroca. A las voces hubo que irse adaptando, especialmente en el caso de Monica Bacelli, de escaso volumen, pero también a la de la exquisita Sara Mingardo e incluso a la más incisiva de Ingela Bohlin. Las apariciones de Plácido Domingo añadían un punto de fuerza, de temperamento, y el conjunto se beneficiaba de ello. La gran Leonie Rysanek se lamentaba en cierta ocasión de la falta de "personalidades indiscutibles" en el mundo de la lírica actual. Domingo es una de las escasas excepciones. Su presencia en escena lo cambia todo. Y se produce la paradoja de que debiendo ser en Tamerlano el invitado por su falta de práctica de este repertorio se convierte en el anfitrión. Vivir para ver, y para asombrarse. 

Tengo a Graham Vick como uno de los directores de escena más interesantes del mundo anglosajón. Sus trabajos en Birmingham o el interrumpido Anillo wagneriano de Lisboa son investigaciones profundas en el tratamiento espacial y en el juego participativo-conceptual. Tamerlano es una de las puestas en escena más previsibles que yo recuerdo de él. Se deja ver estéticamente con agrado y tiene oficio, pero su peso dramatúrgico es limitado y no alcanza el punto de genialidad de sus propuestas más osadas. Lo cual no quita que sea una puesta en escena al menos atractiva.

FUENTE: EL PAIS

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«Tumulti dell´ alma» 
ALBERTO GONZÁLEZ LAPUENTE 
ÓPERA 
«Tamerlano» 
Música: Haendel. Int.: M. Bacelli, P. Domingo, I. Bohlin, S. Mingardo, J. Holloway, L. De Donato, Orquesta Titular del Teatro Real. Dir. escena: G. Vick. Dir. musical: P. McCreesh. Lugar: Teatro Real. Fecha: 26-03-08 
A Plácido Domingo le gusta sufrir. Lo ha hecho al lado de más de un centenar de personajes representados sobre el escenario. Y aún sigue en ello. Podría descansar, que para algo ha de servir la experiencia y la madurez, pero, muy al contrario, sigue recalcitrante mientras atraviesa la larga senda de la veteranía. En un golpe de efecto ha decidido ahora hacer suya la tragedia del sultán otomano Bayaceto, al que acaba de dar vida bajo el nombre de Bajazet, tal y como aparece en «Tamerlano», la ópera de Haendel que ayer se estrenó en el Teatro Real. 
No hay duda de que el reto asumido por Domingo es meritorio. Supone mirar al Barroco, un espacio/tiempo que cualquiera, en buena lid, creería alejado de su naturaleza. Que, además, lo haya hecho en Madrid, es una deferencia que le añade interés a una de las temporadas más sugerentes de cuantas se han realizado en la corta historia del moderno Teatro Real. Visto así, quizá la noticia de hoy sea la actuación ayer de Domingo. Pero no sería justo que todo quedara reducido a este hecho, al fin y al cabo algo de complejidad tiene el mundo de la ópera. 
Especialmente ante este «Tamerlano» frente al que caben dos modos de observación: desde la totalidad o en el detalle. Y de fijarse en este se observará que cabe reducirlo a una reunión de contrarios. Desde el mismo arranque fue evidente. De manera singular en este momento pues fue cuando se manifestó la dificultad de la Orquesta Titular para alcanzar un sonido convincente, obligada por Paul McCreesh a restaurar lo que le es ajeno. Tanto como para que la entrada de las flautas barrocas en el aria «Deh, lascatemi il nemico» convirtiera al conjunto en algo demasiado contradictorio. Luego el oído se hace a todo, se toca con más aplomo, se pone más interés en el fin que en el medio, y la obra adquiere un pálpito interesante. «Tamerlano» se hizo más consistente. 
En el caso de las voces la senda fue similar. Domingo con voz grande, convenciendo que lo heroico no había de llegar por la pulcritud en el acabado, agilidades incluidas, sino por una elocuencia expresiva que le es más cercana. Encontró su mejor baza en la angustiada «A suoi piedi padre esangue», pues ahí importó el trazo largo, el «fiato», pudiendo recrearse en cierta agógica que ni la enfurecida «Empio, per farti guerra», ni la cuadratura de McCreesh ante lo ágil, le permitió. Lo curioso fue comprobar la diferencia de presencia y estilo entre el tenor y el resto del reparto. Voces pequeñas (la de Luigi De Donato, en una noche poco afortunada ha de quedar fuera) que necesitaron su tiempo para calentar, pero voces todas ellas de buena afinación, limpieza en los adornos y cuidado en la transcripción de los afectos. 
Sara Mingardo la primera, pues su Andronico tuvo encanto desde la cariñosa y cálida «Bella Asteria», que marcó el verdadero inicio de la obra, hasta otras arias de mayor lucimiento, a la cabeza «Benché mi sprezzi l´idol che adoro». Monica Bacelli le puso voz al protagonista, comenzando con la voz muy atrás y resolviéndolo en el desarrollo de la obra con soltura escénica y gusto. Lo tuvo también, aunque con mayor superficialidad Jennifer Holloway, en el papel de Irene, e Ingela Bohlin, quien manifestó en la primera y delicada aria de Asteria, «Se non mi vuol amar», algunos sonidos fijos y cierto desgarro en el registro agudo que fue templando poco a poco. 
También con paso decidido este «Tamerlano» caminó hacia espacios más firmes. Tiene la suerte de estar guiado por el trabajo escénico de Graham Vick, quien recrea un esteticismo ordenado, pulcro y minucioso en el detalle, que se abre una nueva amplitud que trasciende inteligentemente el sentido original de ópera de interiores. Posiblemente hay una coherencia de fondo entre la serenidad que observa la vista y la ancha temporalidad de la obra, sin que esto niegue la presencia de momentos visualmente poderosos: ya puede ser el arranque con Bajazet oprimido por un globo (mundo) que sujeta un inmenso pie, ya el interior del mismo convertido en el dorado trono de Tamerlano, ya el agujero negro que acaba siendo la puerta hacia el Averno por donde se perderá Bajazet. 
No importa. Para entonces la representación deja de llamar la atención por sus detalles. Domingo muere con la resolución y el convencimiento escénico de quien tanto ha sufrido. Los demás asisten y asienten en un «lieto fine» cantando con encantadora igualdad. Paul McCreesh le encuentra efusión a una orquesta que suena con cierto atractivo. Y «Tamerlano» se convierte en una ópera de posibles. Tiene mérito, no hay duda.

FUENTE: ABC

jueves, 27 de marzo de 2008

Salome, komm, trink Wein mit mir, einen köstlichen Wein. Cäsar selbst hat ihn mir geschickt (seguimos con Salome, 2)





HERODES
Ich bin nicht krank.
Aber deine Tochter 
ist krank zu Tode.
Niemals hab' ich sie so blaß gesehn.

HERODIAS
Ich habe dir gesagt, 
du sollst sie nicht ansehn.

HERODES
Schenkt mir Wein ein!
Salome, komm, trink Wein mit mir,
einen köstlichen Wein.
Cäsar selbst hat ihn mir geschickt.
Tauche deine kleinen Lippen hinein,
deine kleinen roten Lippen,
dann will ich den Becher leeren.

SALOME
Ich bin nicht durstig, Tetrarch.

HERODES
(zu Herodias)
Hörst du, wie sie mir antwortet,
diese deine Tochter?

HERODIAS
Sie hat recht.
Warum starrst du sie immer an?

HERODES
Bringt reife Früchte!
Salome, komm, iß mit mir von 
diese Früchten.
Den Abdruck deiner kleinen 
weißen Zähne
in einer Frucht seh' ich so gern.
Beiß nur ein wenig ab,
nur ein wenig von dieser Frucht,
dann will ich essen, was übrig ist.

SALOME
Ich bin nicht hungrig, Tetrarch.

HERODES
(zu Herodias)
Du siehst, wie du diese 
deine Tochter erzogen hast!

HERODIAS
Meine Tochter und ich stammen
aus königlichem Blut.
Dein Vater war Kameeltreiber,
dein Vater war ein Dieb
und ein Räuber oben drein.

HERODES
Salome, komm, setz dich zu mir.
Du sollst auf dem Thron
deiner Mutter sitzen.

SALOME
Ich bin nicht müde, Tetrarch.

HERODIAS
Du siehst, wie sie dich achtet.

HERODES
Bringt mir... was wünsche ich denn?
Ich habe es vergessen.
Ah! Ah! Ich erinnre mich.

DIE STIMME VON JOKANAAN
Sieh', die Zeit ist gekommen,
der Tag von dem ich sprach, ist da.

HERODIAS
Heiss' ihn schweigen!
Dieser Mensch beschimpft mich!

HERODES
Er hat nichts gegen dich gesagt.
Überdies ist er 
ein sehr großer Prophet.

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Queridos lectores, hoy toca el video del fragmento y el texto en la traducción alemana de Hedwig Lachmann destinada a la ópera de R. Strauss, que es la que toca esta semana. Mañana pondré la traducción al español y los comentarios que le dedico a este fragmento, mi preferido. Una interpretación muy particular de las intervenciones de Herodes.

Para complementar el video os diré que los cantantes son Inga Nielsen como Salome, Heinz Zednik es Herodes, Monte Pederson es Jokanaan y Lilliana Bizineche Elsinger es Herodias. Todo realizado en Nápoles en el año 1999 y dirigido por Gustav Kuhn.

Mañana más, así que permanezcan atentos a sus monitores...

miércoles, 26 de marzo de 2008

J'ai un vin ici qui est exquis. C'est César lui-même qui me l'a envoyé... (seguimos con Salome...)


HÉRODE

     Versez du vin. [On apporte du vin.]
Salomé, venez boire un peu de vin avec moi.
J'ai un vin ici qui est exquis. C'est César lui-même qui me l'a envoyé.
Trempez là-dedans vos petites lèvres rouges
et ensuite je viderai la coupe.

(SALOME, Oscar Wilde)

Queridos lectores seguimos con Salome, esta vez con mi cita preferida. Hoy no puedo escribir mucho, que tengo que irme, así que disfrutad con la cita. Mañana más!!!

martes, 25 de marzo de 2008

De pasiones en la ópera...

Queridos lectores hoy os traigo dos videos de óperas muy diferentes, pero cuyo nexo radica en el mismo sitio, las pasiones. Se trata de Salome (Strauss) y la Juive (Halevy).

La Juive -ópera de la que hemos hablando anteriormente- viene en una Nueva producción de la Stuttgarter Staatsoper, a cargo de Jossi Wieler y Sergio Morabito. Esta versión incluye además de todo el ballet que se suele cortar una inteligentisima versión de Wieler y Morabito, centrada en la culpa, el odio y el fanatismo religioso, temas capitales de esta Grand Opera. Es la exacerbación de lo humano centrado en una sociedad intolerante que categoriza y castiga violentamente al que se atreve a no pensar como ellos. Aqui teneis una entrevista y momentos de los ensayos...



Frente a estas pasiones "sociales" y que podemos comprender, debemos contraponer las pasiones "antisociales", las "perversiones", como las que sufre Salome. Aun más interesante si alguien como David McVicar, plantea la acción, en el Saló Passoliniano, con lo que ello conlleva: Muerte, pornografía, pederastia, perversión, pasiones desbordadas, etc...

Salome no es una fabula infantil, es el retrato de la sangre, de la violencia, de la adolescencia anómala, de los impulsos más profundos frente a la represión que sufre por ejemplo el Bautista. De ahí que a McVicar le saliera un trabajo tan interesante y tan estético a la vez, sin que esta vez este elemento perjudique a la dramaturgia, sino al contrario lo realce y lo erotice. Y si además cuentas con Nadja Michael pues fenomenal y mucho más erótico... He aquí un video de los ensayos que recoge la escena de la danza y la posterior muerte del Bautista, verdaderamente interesante, pues vemos a McVicar trabajar. Ahora que hay un detalle que me encanta, y es que mantiene ese toque neurótico -heredado de la tradición cristiana- que le induce a Salome a lavarse antes de bailar y de ejecutar el brutal acto necrófilo. Es una purificación a priori antes de mancharse de sangre, un acto inconsciente que marca mucho.



A disfrutar y mañana más!!!!

lunes, 24 de marzo de 2008

MAESTRO, MAESTRO...


Queridos lectores, aqui va mi crónica que se la dedico a mi queridísimo Jago, que esta tarde hubiera vibrado como yo... 

Domingo de Resurrección en la plaza de la Malagueta. A las 5’30, empezaba a sonar la música del paseillo y los alguacilillos, avanzaban para pedir la venia a la presidencia. Concedida, avanzaron los tres diestros, en el medio el MAESTRO, D. JOSÉ TOMÁS (lo escribo en mayusculas por la admiración y devoción que le profeso), el torero más grande que hay en este momento….Lleno de no hay billetes en los tendidos para ver el segundo festejo del día. 



Como viene siendo habitual, la mayor parte de la expectación la había levantado DON JOSÉ TOMÁS. En la historia de la humanidad, hombres que hayan estado dispuestos a dar la vida por aquello que creen y defienden han habido pocos, muy pocos. José Tomás es uno de ellos. Eso es muy grande. 



José Tomás hizo el paseíllo esta tarde en la Malagueta con la intención de demostrar que vive por y para el toreo. Y así lo demostró. En el primer toro de la tarde ya había empezado la locura entre los que estabamos de público, en la Malagueta, con un quite por gaoneras ajustadísimo, que puso a la plaza en pie. Olvidandonos de Manolo Sánchez y su posterior faena. 
BRAVO MAESTRO, Y GRACIAS POR TODO!!!! 



Comenzaba la primera faena del MAESTRO, quien recibió al primero de su lote por verónicas y siete chicuelinas de cartel. Con la muleta comenzó con unos estatuarios desde el centro, y aunque no tuvo la rotundidad de otras ocasiones, la faena estuvo cargada de emoción y transmisión. La cosa, que iba de más a menos, volvió a calentarse con el cierre de faena con unas manoletinas de infarto –mi madre tenía que taparse los ojos, temiendo que cogieran al diestro de Galapagar-, una estocada un poco trasera, un descabello y una oreja, con fuerte petición de la segunda, pero la presidencia se resistió. 
Desorejó a su segundo toro, un toro complicado y peligroso, de embestida incierta, ante el que el torero se mostró firme y seguro. Recibió varios sustos y una fea voltereta de la que salió herido, pero eso no le importó. Se levantó y cogió la muleta para seguir. La Malagueta era un clamor y a gritos de ¡torero, torero! Se marchó el MAESTRO a por la espada. El complejo comportamiento del animal provocó en varias ocasiones el desarme del diestro, pero aun así, consiguió sacarle magníficas tandas, en una faena basada en la mano izquierda. Él demostró la pureza, la quietud, el valor, la liturgia, la profundidad de su toreo y un estoconazo hasta la bola, las dos orejas ya la enfermería. La plaza enloquecimos, pero enloquecimos... BRAVO MAESTRO!!! 



Cayetano Rivera no tuvo suerte en el primero de su lote, ya que en esos momentos el viento pegaba con más fuerza. Era un toro de embestida brusca, que iba y venía y huía del engaño. Que no mostró nobleza, y para colmo él estuvo mal con la espada (6 intentos contados) y fatal con el descabello.El último fue el peor de la tarde. De embestida muy corta y con varias peligrosas coladas, el torero pronto cogió la espada y lo despachó, ganándose protestas de gran parte del público –entre ellos medio tendido, y yo- mientras que mi hermana veía con pena a su diestro favorito. 

Manolo Sánchez, que abría cartel, pasó sin pena ni gloria por la Malagueta. En el primero no pudo mostrarse seguro ante un ejemplar justo de fuerzas y de corto recorrido, aunque puso buena voluntad. Su segundo toro fue de poca fuerza y muy parado. Tenía que llevarlo a media altura porque se caía, y cogió la espada de matar pronto. Dos pinchazos, media y descabello. Silencio en la Malagueta… 

HOY SE HA VISTO TOREO DE NIVEL, AL MAESTRO, AL MAESTRO DE MAESTROS CON EL CAPOTE Y LA MULETA!!!! De verdad, ha sido una tarde histórica, de las que solo te da José Tomás. Un viejecito que tenía al lado, me contó que vió a Manolete y que para él este era Dios, pero su representante en la tierra era D. José Tomás.

sábado, 22 de marzo de 2008

Mañana a ver al maestro José Tomás...






Ya tengo la entrada... Tan solo 24 horas, para ver al MAESTRO!!!!

jueves, 20 de marzo de 2008

Tamerlano en Munich

Queridos lectores, hoy os traigo, una entrevista a David Daniels e Ivor Bolton sobre el montaje de Pierre Audi de la ópera Tamerlano en la Bayerische Staatsoper, el paraiso del barroco europeo...




En breve el Tannhäuser prometido y un Orfeo de Graun para Ceph... Perdón por el retraso, pero estamos en una semana un poco "apretaa".

miércoles, 19 de marzo de 2008

Dir töne Lob! Die Wunder sei'n gepriesen...







Tannhäuser [in höchster Verzückung]
Dir, Göttin der Liebe, soll mein Lied ertönen!
Gesungen laut sei jetzt dein Preis von mir!
Dein süßer Reiz ist Quelle alles Schönen,
und jedes holde Wunder stammt von dir.
Wer dich mit Glut in seinen Arm geschlossen,
was Liebe ist, kennt er, nun er allein: -
Armsel'ge, die ihr Liebe nie genossen,
zieht hin, zieht in den Berg der Venus ein!
[Allgemeiner Aufbruch und Entsetzen]

Menos de un mes para el Tannhäuser de Carsen...

PD: Se que no es la mejor foto para Semana Santa, pero no podía resistirme

lunes, 17 de marzo de 2008

Calixto habla de su "Tirant lo Blanc"...



Bravo por Calixto por preocuparse por buscar nuevos lenguajes y nuevas formas de expresión en el siglo XXI!!!

Brava también por la protagonista, Begoña!!!

Tibet...

El Gobierno chino dice que no utilizó armas contra los manifestantes del Tíbet
Los autores de los disturbios causaron más de 300 incendios en zonas residenciales
El Dalai Lama acusa a China de cometer un 'genocidio cultural' en el Tíbet



Una manifestante pide la ayuda del Dalai Lama. (Foto: AP)
Actualizado lunes 17/03/2008 07:12 (CET)

REUTERS EFE
PEKÍN.- Las Fuerzas de Seguridad chinas no utilizaron armas mortales contra los activistas y manifestantes que organizaron las protestas a favor de la independencia del Tíbet en Lhasa, la capital de la región autónoma, según ha dicho el presidente tibetano, Qiangba Puncog.

"Puedo decir con toda seguridad que no utilizamos armas letales, ni tampoco abrimos fuego", señaló Puncog durante una rueda de prensa celebrada en Pekín, añadiendo que tan sólo lanzaron a los manifestantes gas lacrimógeno y manguerazos de agua.

Trece "civiles inocentes" fueron quemados o apuñalados hasta morir en los disturbios del pasado viernes en Lhasa, informó el presidente tibetano.

Para Puncog, las revueltas fueron premeditadas, organizadas y planeadas por "fuerzas externas y comandos domésticos" de la "camarilla del Dalai" y han causado "un daño muy importante" al orden legalmente establecido en Lhasa.

Puncog, citado por la agencia estatal china Xinhua, aseguró en rueda de prensa que los autores de los disturbios causaron más de 300 incendios en zonas residenciales y tiendas, además de destrozar 56 vehículos y 214 tiendas.

Los disturbios además hirieron a 61 policías, de los que seis están graves.

El presidente tibetano, actualmente en Pekín, aseguró tras dar las cifras que la población de esa región "luchará firmemente contra el separatismo, a favor de la patria unificada, y en pos de mantener la estabilidad social".

También afirmó que "cualquier intento secesionista de sabotear la estabilidad del Tíbet no recibirá el apoyo del pueblo y está condenado al fracaso".

Según la prensa oficial, la electricidad ha vuelto a la capital tibetana, donde las protestas iniciadas el 10 de marzo, en coincidencia con el 49 aniversario de la revuelta contra el régimen comunista chino, alcanzaron sus momentos más violentos el pasado viernes.

Aunque las informaciones son contradictorias, parece que los disturbios se originaron a raíz del maltrato a los monjes que se manifestaron el 10 de marzo, lo que originó la ira de la población tibetana hacia los chinos de la mayoría han (mandarín) que según ellos "colonizan" Lhasa y otras ciudades del Tíbet.

El Dalai Lama aprovechó los graves incidentes para acusar a China de cometer un "genocidio cultural" en el Tíbet, algo que el presidente tibetano calificó de "ridículo".

Según Puncog, Dalai y su "camarilla" califica los disturbios de "manifestaciones pacíficas", y los esfuerzos de volver al orden de "represión", algo que según el presidente del Tíbet confunde a la opinión pública.

Las autoridades chinas han pedido a los causantes de los disturbios que se entreguen antes de la medianoche de hoy, lunes, o de lo contrario actuarán contra ellos con todo el peso de la ley.

FUENTE: EL MUNDO
http://www.elmundo.es/elmundo/2008/03/17/internacional/1205724144.html

viernes, 14 de marzo de 2008

Semana santa desde hoy...



Pues si, hoy empezamos la Semana Santa, además estoy liaillo, perdondad que no me expanda más. Mañana intentaré subir Tannhäuser, y escribir algo más...

A disfrutar!!!

martes, 11 de marzo de 2008

Que l'enfer, la terre et les cieux, que tout l'univers favorise, le fils du plus puissant des lieux!


Queridos lectores, seguimos con el programa de subidas dedicadas. Ahora pasamos de Wagner (al que volveremos pronto con el Tannhäuser), al barroco francés, más concretamente al de Jean Baptiste Lully y su ópera Persée, dedicada a Agatarco, en esa extraña fiebre barroca que le ha entrado, especialmente con Monsieur Lully, juas, juas, juas...

Así que vamos, Persée es una tragedia lírica, que no ópera, con música de Jean-Baptiste Lully, y libreto de Philippe Quinault, y que fue estrenada primeramente en el Palacio de Versalles y luego en la Ópera de París en abril de 1682.

La ópera está basada en el mito griego. La obra relata la relación entre Perseo y Andrómeda, aunque el primero es amado secretamente por Merope. Para poder obtener el amor de Andrómeda, Perseo debe ir en busca de la cabeza de Medusa, un monstruo cuya mirada convertía a los hombres en piedra. Con la ayuda de Hermes (Mercurio), mensajero de los dioses, Perseo mata a Medusa y obtiene la mano de Andrómeda.



Curiosamente el personaje principal, Perseo, canta muy poco en la obra, no más de quince minutos en total, pese a que toda la obra gira en torno a él. Esto porque buscaba representar al propio rey Sol, Luis XIV, a quien está dedicada, quien simboliza la estabilidad y el orden contra las fuerzas enemigas que en ese entonces amenazaban Francia.

La graabción que ofrezco, tiene a un gran especialista en estas lides dirigiendo el asunto, el francés Christophe Rousset con sus Talens Lyriques. En el reparto vocal se cuenta con especialistas solventes, como el haute-contre británico Paul Agnew, la soprano Anna Maria Panzarella y el baritono Jérome Correas. También andan por ahí el tenor Robert Getchell y el taille Laurent Slaars.

Persée
Jean-Baptiste Lully

Persée Paul Agnew
Andromède Anna Maria Panzarella
Une Nymphe guerrière Anna Maria Panzarella
Céphée Vincent Billier
Un Ethiopien Vincent Billier
Un Cyclope Vincent Billier
Idas Vincent Billier
Cassiope Monique Simon
Imène Monique Simon
Mérope Salomé Haller
La Fortune Salomé Haller
Phinée Jérôme Corréas
Un Ethiopien Laurent Slaars
Mercure Robert Getchell
Megathyme Robert Getchell
La Vertu Béatrice Mayo Felip
Vénus Béatrice Mayo Felip
Amour Béatrice Mayo Felip
Sténone Bruno Rostand
Un Triton Bruno Rostand
Méduse Laurent Slaars
Phronime Laurent Slaars
Le Grand-Prêtre Laurent Slaars
Un Ethiopien Jérôme Corréas

Les Talens Lyriques
Christophe Rousset

http://rapidshare.com/files/98785554/PERSEE-Lully.zip.001.html
http://rapidshare.com/files/98793703/PERSEE-Lully.zip.002.html

A disfrutarlo y que los dioses del Olimpo os sean propicios...

lunes, 10 de marzo de 2008

La prohibición de amar

Queridos lectores, hoy os traigo por petición de Larrel, la primera ópera que estrenó Richard Wagner, y que fue la segunda de su producción operística, Das Liebesverbot (La prohibición de amar). Wagner la tituló como Große komische Oper in zwei Akten, es decir Gran ópera cómica en dos actos.
Algunas anecdotas de la obra, que nos cuentan John Deathridge y Carl Dalhaus, en su libro Wagner:
Aunque tuvo problemas, pues antes de dirigir el estreno de Das Liebesverbot, Wagner intentó que la obra fuera aceptada por teatros de Leipzig, Berlín e incluso por la Opéra-Comique de París. No es cierta, dicho sea de paso entre paréntesis, la afirmación de Wagner en Mi vida, según la cual había tenido que cambiar el título de la ópera por orden de la policía. Tal como prueba un documento de los Archivos de Bayreuth, provisto de sello oficial, las autoridades no opusieron la más mínima objeción. Wagner tituló públicamente la ópera Die Novize von Palermo y cambió el género a «gran ópera en lugar de «gran ópera cómica», probablemente por la sencilla razón de que, debido a apremios de tiempo, se vio forzado a dirigir la obra en la semana de Pascua de Resurrección. (...) Tras dirigir su ópera, Wagner, escribió una reseña anónima para la revista de Schumann, Neue Zeitschrift für Musik, donde decía de su propia obra: “contiene mucho de lo que a mí me gusta... En ella hay música y hay melodía, y esto es algo que en nuestras óperas alemanas nos resulta harto difícil de encontrar”. » Y es que es cierto, porque la ópera se deja querer desde el voluptuoso preludio...

La sinopsis de esta ópera y el libretto, los podeis encontrar en la web de DIVERDI.

Esta grabación que os ofrezco es referencial. Grabada en Munich, bajo la dirección de Wolfgang Sawallisch, subió a escena con una puesta de Jean Pierre Ponelle en el año 1983, para conmemorar el 100 aniversario del fallecimiento de R. Wagner. El reparto cuenta con voces como Hermann Prey, protagonista absoluto de la noche, Sabine Hass como una estupendisima Isabella, el baritono Keith Engen como Angelo o la Mariana de Pamela Coburn.

Das Liebesverbot
Richard Wagner

Friedrich Hermann Prey
Luzio Wolfgang Fassler
Claudio Robert Schunk
Antonio Friedrich Lenz
Angelo Kieth Engen
Isabella Sabine Hass
Mariana Pamela Coburn
Brighella Alfred Kuhn
Danieli Raimund Grumbach
Dorella Marianne Seibel
Pontio Pilato Hermann Sapell
Orquesta de la Ópera del Estado de Baviera
Coro de la Ópera del Estado de Baviera

Wolfgang Sawallisch (1983)

A DISFRUTAR LA PRIMERA ÓPERA QUE ESTRENÓ WAGNER!!!!!

domingo, 9 de marzo de 2008

Elecciones 2008, con un resultado nada bueno...

Cuatro años más de sufrimiento y kaos con el titiritero...





Gracias por todo, Mariano, has hecho un trabajo francamente bueno...

sábado, 8 de marzo de 2008

Muchos recuerdos me trae esta función...



Loado seas en los cielos y en la tierra Onegin... Y es que es cierto, esta función me trae muchisimos recuerdos, fue la primera Walkiria que vi en teatro y claro eso marca... Además fue la primera vez que vi a Placi y a la Meier, una noche para no olvidar jamás.

Meier y Placi gloriosos!!!!

L'année dernière à Marienbad




No hay palabras para describirlo

jueves, 6 de marzo de 2008

Boulez por cojones... (1)

Tres momentos Walkiricos...







Dedicados a la tuerta Eboli, que es la única que tiene idea...

miércoles, 5 de marzo de 2008

De Frikadas varias...

Queridos lectores, hoy ha sido un día agitado. Agitado, no porque haya supuesto un "hito" o algo por el estilo, sino porque he estado trabajando más de lo normal, y ya sabeis que yo soy un vaaaagooooo!!!

En primer lugar he estado en el museo de artes populares y costumbres investigando sobre el memento mori y la fotografía postmortem. Y todo por la asignatura de Juanjo Padial, Historia de la Antropología, que nos ha hecho convertirnos en autenticos antropólogos e investigar sobre aspectos de la vida cotidiana del siglo XIX y XX. Y ¿Qué he sacado en claro? Pues mucho, pero es tanto, que prefiero dedicarle una entradita cuando tenga mis notas pasadas a limpio... Ah y prometo fotos, juas, juas, juas!!!

La segunda cosa, también es filosófica, y es que vamos a escribir y leer por iniciativa popular la Ethica more geometria demostrata de Baruch de Spinoza. Para eso hemos creado SPINOZA, GRUPO DE TRABAJO. Si os gusta la filosofía, y los desvarios que podamos hacer, no dudeis en pasaros por allí. Estando servidor implicado podeis esperar de todo, juas, juas, juas...



Por último quiero dedicarle una zarzuela con tintes verdianos (vease el final de la pista 3) a Agatarco, que se lo merece, por razones varias, jejejeje... Y pido disculpas por no subir la Juive, pero algo de vagancia tenía que tener despues de un día duro y rallante...

Se trata del Chaleco Blanco de Federico Chueca. Esta obra se estrenó en el Teatro Felipe de Madrid, el 26 de junio de 1890. Esta obra surgió de una apuesta entre nueve libretistas realizada en el Círculo Artístico-Literario, calle Alcalá, la noche del 15 de enero. Vital Aza propuso a sus contertulios una apuesta por la que cada uno se comprometía a escribir un sainete en el plazo de un mes sobre un título obtenido por sorteo entre los varios propuestos. La única condición era que el trabajo debería realizarse en un mes y el que no lo consiguiera debería pagar el almuerzo y la cena de los demás durante una semana. El chaleco blanco le correspondió a Miguel Ramos Carrión y es la única obra de esta singular competición cuya popularidad ha pervivido hasta el presente, gracias a la partitura de Federico Chueca.

La obra comienza en una casa de huéspedes de Madrid a finales del siglo pasado. Esta casa es propiedad del matrimonio formado por doña Casta y Pérez. Su hija Tecla está enamorada de David, uno de los huéspedes, músico pobre que se dedica a tocar el piano por los cafés de la ciudad. Su amor se ve truncado cuando los dueños de la casa reciben el aviso de la llegada de un joven que acaba de heredar cinco mil duros de su padre. Doña Casta, mujer fría, egoista y calculadora, decide echar a David y ceder su sitio al nuevo heredero, para propiciar una boda entre éste y su hija. Pérez y Tecla son los encargados de dar la noticia a David. En medio de todo aparecen los otros huéspedes: Don Ventura, un comilón empedernido y don Quintín, un cesante empeñado en mantener las apariencias y el estilo de vida que pareció gozar en algún momento anterior.

Entretanto, se da a entender que don Quintín ha cogido unas prendas de don Ventura para acudir a una cita con el Ministro de Ultramar, que le va a proporcionar un empleo. David, que se ha marchado de la casa sin recoger sus ropas, regresa enseguida muy excitado porque ha visto en la prensa que le ha tocado el gordo en la lotería y había dejado el billete en un chaleco blanco. En ese momento Pérez se da cuenta que había dado el chaleco a Rosa, una lavandera que hace su colada en el Manzanares y todos salen corriendo en su busca, con la esperanza de llegar a tiempo. Todos acuden a casa de Rosa, para que el Portero les indique el lugar exacto del río donde suele ponerse la lavandera.

A orillas del Manzanares se congregan lavanderas, vendedores ambulantes y hasta unos cornetas del regimiento. Finalmente doña Casta, Pérez, Tecla, David y don Ventura encuentran a Rosa, pero toda su ilusión se desvanece cuando ésta les dice que ha echado la colada en lejía. En el último momento aparece don Quintín y David se da cuenta de que lleva puesto su chaleco, con lo que recupera su billete de lotería y con él, toda su felicidad.

En lo musical hay que destacar que el preludio con el que se inicia la obra se convierte pronto en un agradable vals, Seguido de un breve número tarareado. El primer número cantado es un diálogo jocoso entre el tenor cómico y la soprano al que la música sirve más de fondo que de acompañamiento. Continúa con una elegante mazurka para convertirse pronto en un trío. El siguiente número desemboca de repente en el tema "De quella pira" de Il Trovatore de Verdi, aquí trastocado en "Décimo mío, corro a salvarte". No parece que la aparición de este tema tenga otro motivo que despertar la sorpresa del público. El resto de los musicales de la obra son partes corales. El primero corresponde al coro de lavanderas, siguiendo un coro general de lavanderas y soldados con los pregones del bollero de fondo. El último número es el coro de los soldados que regresan a su cuartel. Una brevísima repetición del motivo del pasodoble constituye el final de la obra.

Federico Chueca
EL CHALECO BLANCO
Libreto de Ramos Carrión

*ALHAMBRA (LP)
Dirección: Ataulfo Argenta
Ana María Iriarte, Gerardo Monreal, Joaquín Portillo.
Coros Cantores de Madrid. Gran Orquesta Sinfónica.

http://rapidshare.com/files/97172089/El_Chaleco_Blanco.rar.html

A disfrutar, y dejadme ser un vago, un vago de los grandes!!!! Juas, juas, juas!!! Portaos bien...

martes, 4 de marzo de 2008

El Tannhäuser liceístico se acerca....



Uyyy, que ganas de verlo en Barcelona... Por ahora solo puedo esperar y escuchar esta maravilla wagneriana, juas, juas, juas. La Overtura-Ballet es soberbio, para caerse presa de un extasis...

PD: Ahora que tengo el ordenador "arreglado" vuelvo a la normalidad. Así que mañana una Juive en alemán para el amigo Tucker y pasado un Serse in English para Sharpless.

lunes, 3 de marzo de 2008

Ha muerto Pippo...


RIP


A UNO DE LOS CANTANTES MÁS IMPORTANTES DEL SIGLO XX


No hay palabras despues de enterarse de esto... Pippo serás grande por siempre!!!

domingo, 2 de marzo de 2008

Próximamente el proyecto K2

Queridos lectores, próximamente el proyecto K2 hará aparición en este Blog. En esto de los proyectos multimedia no puedo negar que me he inspirado en Christoph Schlingensief. Ya vereis, ya vereis...



Permanezcan atentos a sus pantallas y se sorprenderán...

Más Lohengrin...

Queridos lectores, de una parte aquí me ha dado por Lohengrin, me parece tan, tan... Y especialmente dos momentos del acto I, cuando Elsa pide ayuda y clama al cielo, y el impresionante final en el que Lohengrin vence a Telramund. Hoy os ofrezco ese final, cantado por Kollo, Tomova-Sintow, Nismgern, Vejzovic y Ridderbusch. Dirige el tito Herbito, con una marcialidad esplendida... Solo falta imagen, juas, juas, juas



PD: Tengo el ordenador roto y no se hasta cuando... Cuando el capullo de la tienda me lo devuelva arreglado, os prometo un Serse de lujo, para Sharpless con Lorraine Hunt y David Daniels en el 96 y en ingles. Esperad, esperad que merece la pena.

PD2: Alguien me psiconanaliza, para encontrar el porque de mi gusto temporal por Lohengrin????