sábado, 29 de marzo de 2008

Salome, komm, iß mit mir von diese Früchten. (y seguimos con Salome, 3)

Queridos lectores, lo prometido es deuda así que vamos con ello, será sin duda un artículo largo. Además ya os había dicho que a mi esta escena me resulta la mejor con diferencia de toda Salome… Se que esto vuelve a ser una opinión extremadamente heterodoxa y provocadora, porque habrá quien piense que lo mejor la danza de los siete velos o el final de “besar en la boca al Bautista”, pero a mi no me parecen nada comparado con la que os propongo.

La escena comienza totalmente convulsa, tras encontrarse Herodes con el cadáver de Narraboth. El desprecio es la primera sensación que le inunda, pero después el frío y el miedo se suceden, quitándole importancia Herodias, quien dice que la verdad es que Herodes está enfermo. Este le dice que no y advierte que es su hija la que realmente está enferma (=>Ich bin nicht krank. Aber deine Tochter ist krank zu Tode.), pero enferma de muerte, debido a su extremada palidez y su actitud totalmente pasiva. Al espectador que ha presenciado los cuarenta minutos de representación anteriores sabrá por qué, el Bautista ha rechazado a Salome, culpabilizando sobre ella y su madre una actitud lujuriosa y pecaminosa, tan lejana de él, de “castrar” todo tipo de impulsos físico y psicológicos. Y la negativa ante el impulso de Salome, ha provocado en ella un desasosiego que ha logrado desestabilizarla. Para Jokaanan –que no entiende los impulsos de una adolescente- se trata de una pecadora, que debe de ser condenada, pero una visión más neutral nos revelaría que Salome no es tan culpable, sino desde el contexto necio y puritano donde se ha criado, es más atrevería ver que Salome no es más que una victima de ese pretendido afán de pureza, que vive en un hastío diario de erotismo y lujuria satisfecha, haciendo que busque sensaciones muchísimo más fuerte. La agresividad de un santo como Jokaanan, no es más que la prepotencia del hombre moderno, del proyecto “aufklärer”, ante los instintos. Cierto es que desde una visión Kierkeggardiana se nos rechazaría de pleno la posibilidad de “realización” y la posibilidad de “libertad”, aunque yo me atrevo a augurar que en el contexto en el cual se desarrolla la obra aun es más difícil intentar coartar las pasiones, en pos de una santidad mediocre basada en un ascetismo plano y desértico.




Pero ella no es la única que sucumbe a esto, y es que aquí es donde entra en juego Herodes. Este le ofrece por tres veces, tres posibilidades o mejor tres fetiches con los que ejercer un poder bastante grande:

1) Vino del Cesar => Los Labios.
2) Fruta exótica => La mordida, la violencia.
3) El trono de Judea => La corporalidad en todo su amplísimo esplendor.

No es extraño hablar que en Herodes podemos percibir un intensísimo fetichismo basado en la figura de Salome. Es más el mismísimo Herodes, por su formación Helenística, seguramente habría desarrollado un gran gusto por todo tipo de fetiche, por ejemplo la LUNA (=>Verbergt den Mond, verbergt die Sterne! Es wird Schreckliches geschehn.) y su obsesión por apagarla, como para quitar un espía o un observador de su culpabilidad. Esto no es más que una reminiscencia a Diana, la diosa romana de la caza, que era el emblema de la castidad, todo lo contrario que sucede en el palacio de Herodes.

Y dentro de la escena que nos ocupa y volviendo al tema del fetiche, analizaré ahora el primer ofrecimiento de Herodes a Salome:

Traedme vino!

Salomé, ven y bebe conmigo,
es un vino exquisito.
El propio César me lo ha enviado.

Moja en él tus pequeños labios,
tus pequeños labios rojos,
luego, yo vaciaré la copa.



Herodes incita a Salome, a beber un vino carísimo y exclusivo, un vino que el mismísimo Tiberio le ha regalado. Seguramente eleva de categoría social de hijastra a posible amante, es decir a la posición de la madre. La parte erótica del ofrecimiento llega cuando hace mención al aspecto corporal. Hay que señalar que todos los privilegios de Herodes tienen una doble estructura basada en un primer nucleo con un argumento ad-autoritatem sobre cosas exclusivas, y un segundo núcleo basado el aspecto erótico-corporal-fetichista. De hecho en este primer ofrecimiento encontramos como Herodes se recrea diciendo que moje sus pequeños labios rojos, que tan solo los moje y nos damos levemente cuenta que se trata de incitarla a que lo bese indirectamente, ya que ellos al compartir la misma copa, en el mismo momento y en el mismo lugar, tiene una altísima carga erótica sobre todo para un fetichista como Herodes… Ante esto, la princesa sigue totalmente fascinada por lo prohibido que alimenta su morbosa curiosidad, y niega su deseo al Tetrarca (=>Ich bin nicht durstig, Tetrarch.). Y además Herodias se da cuenta de su perdida y rerimina al Tetrarca las miradas hacia su hija (=>Warum starrst du sie immer an?), pero Herodes hace caso omiso y contrataataca con esto:

¡Traed frutas maduras!

Salomé, ven y come conmigo
de estas frutas.

Es tan agradable la huella
de tus pequeños dientes blancos
en una fruta.
Muerde sólo un poco,
sólo un poco, de esta fruta,
luego, yo comeré lo que quede.


Herodes incrementa aun más su carga erótica y fetichista, con el gesto de morder. Beber no implica violencia, sino dulzura de una adolescente cuidadosa, sin embargo morder si que la implica. Para un contexto abrahamico –ya sea judaísmo, cristianismo o afines- el morder va unido con el pecado original y a un aspecto fetichista, el del desvelamiento de la sexualidad. El morder que para el contexto en el que no estamos moviendo indujo la caída. La fruta representa la tentación, a lo que el ensimismamiento de Salome responde que no. Pero tenemos que ver que esto deviene del puritanismo que hablábamos anteriormente, así se niega el deseo a las mujeres porque en su cuerpo se aloja el alma de Eva. Pervierte el simbolismo de lo femenino y cambia el paradigma del eterno Paraíso, por la expulsión al abismo y la maldición de arrastrar la culpa del pecado original. Así podemos ver que el momento en que aparece la fruta vemos el momento de transito entre la niña y la mujer, el paso del ente asexuado y el erótico, y el momento en que modería la fruta, se puede interpretar como el descubrimiento de la sexualidad en sí, que viene acompañado de una pseudo-muerte, que tiene mucho que ver con el concepto griego de "Eros" y "Todestrieb", deseo y muerte unidos en el símbolo de morder una fruta, escena que se identifica estrechamente con la expulsión de paraíso. Eso es lo que lleva al final que sufre Salome, la muerte… Ahora podemos ver como todo se interrelaciona, no vemos la gratuidad en ningún momento. La princesa responde con un no tengo hombre (=>Ich bin nicht hungrig, Tetrarch.), el Tetrarca ante sus tentaciones se desespera y añade a Herodias que su hija esta mal educada (=>Du siehst, wie du diese deine Tochter erzogen hast!) -cuando realmente sigue ensimismada- y le responde Herodias enfadada, con una falsa moralina que ellas provienen de estirpe real (=>Meine Tochter und ich stammen aus königlichem Blut). Ante esto la última aseveración del monarca es:

Salomé, ven y siéntate a mi lado.
Yo quiero que te sientes
en el trono de tu madre.


Herodes, ya hace explicito su deseo por toda la corporalidad de la princesa, después de haber ofrecido la exclusividad del vino y el paso desde la infancia asexuada hacia lo erótico a través de morder la fruta, que simbolizaba el poder. El trono es el poder terrenal de Herodes, es el ofrecer anular a su esposa por la juventud erotizada de Salome. Herodes llega al máximo fetichismo deseando, que al ocupar ese trono ocupe también su lecho. Al tenerla en el trono, significaría una posesión personal sobre ella. Herodes habría pasado de tener el fetiche de sus labio, de su poder sexual a través de la mordida a convertirla en un objeto más de su reino, así conseguiría desubjetivizarla, es una estructura realmente interesante. Pero ella que no ha deseado en ningún momento a Herodes, ni su poder -esto es muy importante- y por ende lo vuelve a rechazar por tercera vez (=>Ich bin nicht müde, Tetrarch), de hecho ella lo interpreta como cansancio y no como poder.




El “acoso” de Herodes se detendrá por la recriminación del Bautista, pero retornará después, pasando a una manifestación más erótica que las que hemos visto, más erótica que la posesión del cuerpo, como es la “danza”, mucho más insinuante, y sobre todo un medio mágico para alcanzar cualquier cosa… Pero este es otro tema, que otro día abordaré.

Gracias por aguantar el rollo, y espero que os haya gustado. Mañana más…

viernes, 28 de marzo de 2008

Tamerlano dramático de verdad...





Queridos lectores hago un parentesis breve con Salome (no os preocupeis, os volveré a rallar esta noche, jejejeje...) y es que Domingo acaba de estrenar Tamerlano, la ópera más "teatral" de G.F.Haendel, y por lo tanto a D. Placido esto le va que ni pintado, a pesar de no ser un cantante barroco segurísimo que hará una prestación de gran nivel como siempre que hace algo,,, Hay que resaltar que las funciones se grabaran en DVD (para el sello OPUS ARTE) y se retransmitirá por RNE el día 1 de Abril.

Ahora os dejo con las críticas del ABC y de EL PAIS:

CRÍTICA: ÓPERA 
Plácido barroco 
J. Á. VELA DEL CAMPO 28/03/2008 

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De desembarco barroco en Madrid se puede hablar, con las representaciones de Tamerlano, de Händel, en el Real desde el miércoles, con Plácido Domingo de padrino de excepción, y Bajazet, de Vivaldi, escuchada ayer en versión de concierto con Fabio Biondi de maestro de ceremonias. Las dos óperas versan sobre el mismo tema y tienen idénticos personajes. La ópera barroca se impone y eso, mal que les pese a algunos, es un signo de normalización en la actividad de un teatro, pues el mundo lírico tiene ya cuatro siglos a sus espaldas y cada época, cada estilo, debe tener su oportunidad. Es cuestión de equilibrio. 

La estrella, en cualquier caso, de esta oleada se llama Plácido Domingo. Haga lo que haga, cante lo que cante, se convierte en el foco de atención. Cuando, hace ya unos añitos, comenzó su travesía wagneriana se armó un revuelo considerable. Ahora es indiscutible en ese repertorio hasta en el mismísimo Bayreuth. Hace un par de años asistió allí de incógnito a una representación de La walkyria, y al ser descubierto en la sala recibió la mayor ovación de la noche. Fue precisamente en uno de los intermedios de aquella representación cuando hablé con él por primera vez de Tamerlano. Lo tenía muy claro. Su intención era terminar su apabullante carrera incorporando tres nuevos personajes. El de Händel era el primero. Después será el turno de El retorno de Ulises a la patria, de Monteverdi, y, para concluir, Simon Boccanegra, de Verdi, en el papel de barítono. Reconozco que no me sorprendió. Domingo se conoce muy bien a sí mismo y sabe lo que puede cantar mejor en cada momento. El barroco era quizás su única asignatura pendiente, y Verdi es uno de sus grandes amores, del que ha grabado toda su obra para tenor. En cuanto al estilo barroco, era cuestión de estudio. Domingo se puso el traje de la humildad y empezó a trabajar sin descanso en una demostración de responsabilidad. 

El Real, que se ha apuntado el tanto del estreno, ha puesto alrededor de Domingo un elenco de especialistas. En primer lugar, Paul McCreesh, al frente de una Sinfónica de Madrid, reforzada en el continuo por Benjamín Bayl y Joseph McHardy al clave, por Christopher Buckling al violonchelo y por Jorgen Skogmo a la tiorba. La orquesta sonó bien, aunque con un punto de languidez en el primer acto. Con una lectura más contemplativa y camerística que teatral, pero con despliegue de matices y sobre todo estimulando la creación precisa y poética de una atmósfera barroca. A las voces hubo que irse adaptando, especialmente en el caso de Monica Bacelli, de escaso volumen, pero también a la de la exquisita Sara Mingardo e incluso a la más incisiva de Ingela Bohlin. Las apariciones de Plácido Domingo añadían un punto de fuerza, de temperamento, y el conjunto se beneficiaba de ello. La gran Leonie Rysanek se lamentaba en cierta ocasión de la falta de "personalidades indiscutibles" en el mundo de la lírica actual. Domingo es una de las escasas excepciones. Su presencia en escena lo cambia todo. Y se produce la paradoja de que debiendo ser en Tamerlano el invitado por su falta de práctica de este repertorio se convierte en el anfitrión. Vivir para ver, y para asombrarse. 

Tengo a Graham Vick como uno de los directores de escena más interesantes del mundo anglosajón. Sus trabajos en Birmingham o el interrumpido Anillo wagneriano de Lisboa son investigaciones profundas en el tratamiento espacial y en el juego participativo-conceptual. Tamerlano es una de las puestas en escena más previsibles que yo recuerdo de él. Se deja ver estéticamente con agrado y tiene oficio, pero su peso dramatúrgico es limitado y no alcanza el punto de genialidad de sus propuestas más osadas. Lo cual no quita que sea una puesta en escena al menos atractiva.

FUENTE: EL PAIS

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«Tumulti dell´ alma» 
ALBERTO GONZÁLEZ LAPUENTE 
ÓPERA 
«Tamerlano» 
Música: Haendel. Int.: M. Bacelli, P. Domingo, I. Bohlin, S. Mingardo, J. Holloway, L. De Donato, Orquesta Titular del Teatro Real. Dir. escena: G. Vick. Dir. musical: P. McCreesh. Lugar: Teatro Real. Fecha: 26-03-08 
A Plácido Domingo le gusta sufrir. Lo ha hecho al lado de más de un centenar de personajes representados sobre el escenario. Y aún sigue en ello. Podría descansar, que para algo ha de servir la experiencia y la madurez, pero, muy al contrario, sigue recalcitrante mientras atraviesa la larga senda de la veteranía. En un golpe de efecto ha decidido ahora hacer suya la tragedia del sultán otomano Bayaceto, al que acaba de dar vida bajo el nombre de Bajazet, tal y como aparece en «Tamerlano», la ópera de Haendel que ayer se estrenó en el Teatro Real. 
No hay duda de que el reto asumido por Domingo es meritorio. Supone mirar al Barroco, un espacio/tiempo que cualquiera, en buena lid, creería alejado de su naturaleza. Que, además, lo haya hecho en Madrid, es una deferencia que le añade interés a una de las temporadas más sugerentes de cuantas se han realizado en la corta historia del moderno Teatro Real. Visto así, quizá la noticia de hoy sea la actuación ayer de Domingo. Pero no sería justo que todo quedara reducido a este hecho, al fin y al cabo algo de complejidad tiene el mundo de la ópera. 
Especialmente ante este «Tamerlano» frente al que caben dos modos de observación: desde la totalidad o en el detalle. Y de fijarse en este se observará que cabe reducirlo a una reunión de contrarios. Desde el mismo arranque fue evidente. De manera singular en este momento pues fue cuando se manifestó la dificultad de la Orquesta Titular para alcanzar un sonido convincente, obligada por Paul McCreesh a restaurar lo que le es ajeno. Tanto como para que la entrada de las flautas barrocas en el aria «Deh, lascatemi il nemico» convirtiera al conjunto en algo demasiado contradictorio. Luego el oído se hace a todo, se toca con más aplomo, se pone más interés en el fin que en el medio, y la obra adquiere un pálpito interesante. «Tamerlano» se hizo más consistente. 
En el caso de las voces la senda fue similar. Domingo con voz grande, convenciendo que lo heroico no había de llegar por la pulcritud en el acabado, agilidades incluidas, sino por una elocuencia expresiva que le es más cercana. Encontró su mejor baza en la angustiada «A suoi piedi padre esangue», pues ahí importó el trazo largo, el «fiato», pudiendo recrearse en cierta agógica que ni la enfurecida «Empio, per farti guerra», ni la cuadratura de McCreesh ante lo ágil, le permitió. Lo curioso fue comprobar la diferencia de presencia y estilo entre el tenor y el resto del reparto. Voces pequeñas (la de Luigi De Donato, en una noche poco afortunada ha de quedar fuera) que necesitaron su tiempo para calentar, pero voces todas ellas de buena afinación, limpieza en los adornos y cuidado en la transcripción de los afectos. 
Sara Mingardo la primera, pues su Andronico tuvo encanto desde la cariñosa y cálida «Bella Asteria», que marcó el verdadero inicio de la obra, hasta otras arias de mayor lucimiento, a la cabeza «Benché mi sprezzi l´idol che adoro». Monica Bacelli le puso voz al protagonista, comenzando con la voz muy atrás y resolviéndolo en el desarrollo de la obra con soltura escénica y gusto. Lo tuvo también, aunque con mayor superficialidad Jennifer Holloway, en el papel de Irene, e Ingela Bohlin, quien manifestó en la primera y delicada aria de Asteria, «Se non mi vuol amar», algunos sonidos fijos y cierto desgarro en el registro agudo que fue templando poco a poco. 
También con paso decidido este «Tamerlano» caminó hacia espacios más firmes. Tiene la suerte de estar guiado por el trabajo escénico de Graham Vick, quien recrea un esteticismo ordenado, pulcro y minucioso en el detalle, que se abre una nueva amplitud que trasciende inteligentemente el sentido original de ópera de interiores. Posiblemente hay una coherencia de fondo entre la serenidad que observa la vista y la ancha temporalidad de la obra, sin que esto niegue la presencia de momentos visualmente poderosos: ya puede ser el arranque con Bajazet oprimido por un globo (mundo) que sujeta un inmenso pie, ya el interior del mismo convertido en el dorado trono de Tamerlano, ya el agujero negro que acaba siendo la puerta hacia el Averno por donde se perderá Bajazet. 
No importa. Para entonces la representación deja de llamar la atención por sus detalles. Domingo muere con la resolución y el convencimiento escénico de quien tanto ha sufrido. Los demás asisten y asienten en un «lieto fine» cantando con encantadora igualdad. Paul McCreesh le encuentra efusión a una orquesta que suena con cierto atractivo. Y «Tamerlano» se convierte en una ópera de posibles. Tiene mérito, no hay duda.

FUENTE: ABC

jueves, 27 de marzo de 2008

Salome, komm, trink Wein mit mir, einen köstlichen Wein. Cäsar selbst hat ihn mir geschickt (seguimos con Salome, 2)





HERODES
Ich bin nicht krank.
Aber deine Tochter 
ist krank zu Tode.
Niemals hab' ich sie so blaß gesehn.

HERODIAS
Ich habe dir gesagt, 
du sollst sie nicht ansehn.

HERODES
Schenkt mir Wein ein!
Salome, komm, trink Wein mit mir,
einen köstlichen Wein.
Cäsar selbst hat ihn mir geschickt.
Tauche deine kleinen Lippen hinein,
deine kleinen roten Lippen,
dann will ich den Becher leeren.

SALOME
Ich bin nicht durstig, Tetrarch.

HERODES
(zu Herodias)
Hörst du, wie sie mir antwortet,
diese deine Tochter?

HERODIAS
Sie hat recht.
Warum starrst du sie immer an?

HERODES
Bringt reife Früchte!
Salome, komm, iß mit mir von 
diese Früchten.
Den Abdruck deiner kleinen 
weißen Zähne
in einer Frucht seh' ich so gern.
Beiß nur ein wenig ab,
nur ein wenig von dieser Frucht,
dann will ich essen, was übrig ist.

SALOME
Ich bin nicht hungrig, Tetrarch.

HERODES
(zu Herodias)
Du siehst, wie du diese 
deine Tochter erzogen hast!

HERODIAS
Meine Tochter und ich stammen
aus königlichem Blut.
Dein Vater war Kameeltreiber,
dein Vater war ein Dieb
und ein Räuber oben drein.

HERODES
Salome, komm, setz dich zu mir.
Du sollst auf dem Thron
deiner Mutter sitzen.

SALOME
Ich bin nicht müde, Tetrarch.

HERODIAS
Du siehst, wie sie dich achtet.

HERODES
Bringt mir... was wünsche ich denn?
Ich habe es vergessen.
Ah! Ah! Ich erinnre mich.

DIE STIMME VON JOKANAAN
Sieh', die Zeit ist gekommen,
der Tag von dem ich sprach, ist da.

HERODIAS
Heiss' ihn schweigen!
Dieser Mensch beschimpft mich!

HERODES
Er hat nichts gegen dich gesagt.
Überdies ist er 
ein sehr großer Prophet.

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Queridos lectores, hoy toca el video del fragmento y el texto en la traducción alemana de Hedwig Lachmann destinada a la ópera de R. Strauss, que es la que toca esta semana. Mañana pondré la traducción al español y los comentarios que le dedico a este fragmento, mi preferido. Una interpretación muy particular de las intervenciones de Herodes.

Para complementar el video os diré que los cantantes son Inga Nielsen como Salome, Heinz Zednik es Herodes, Monte Pederson es Jokanaan y Lilliana Bizineche Elsinger es Herodias. Todo realizado en Nápoles en el año 1999 y dirigido por Gustav Kuhn.

Mañana más, así que permanezcan atentos a sus monitores...

miércoles, 26 de marzo de 2008

J'ai un vin ici qui est exquis. C'est César lui-même qui me l'a envoyé... (seguimos con Salome...)


HÉRODE

     Versez du vin. [On apporte du vin.]
Salomé, venez boire un peu de vin avec moi.
J'ai un vin ici qui est exquis. C'est César lui-même qui me l'a envoyé.
Trempez là-dedans vos petites lèvres rouges
et ensuite je viderai la coupe.

(SALOME, Oscar Wilde)

Queridos lectores seguimos con Salome, esta vez con mi cita preferida. Hoy no puedo escribir mucho, que tengo que irme, así que disfrutad con la cita. Mañana más!!!

martes, 25 de marzo de 2008

De pasiones en la ópera...

Queridos lectores hoy os traigo dos videos de óperas muy diferentes, pero cuyo nexo radica en el mismo sitio, las pasiones. Se trata de Salome (Strauss) y la Juive (Halevy).

La Juive -ópera de la que hemos hablando anteriormente- viene en una Nueva producción de la Stuttgarter Staatsoper, a cargo de Jossi Wieler y Sergio Morabito. Esta versión incluye además de todo el ballet que se suele cortar una inteligentisima versión de Wieler y Morabito, centrada en la culpa, el odio y el fanatismo religioso, temas capitales de esta Grand Opera. Es la exacerbación de lo humano centrado en una sociedad intolerante que categoriza y castiga violentamente al que se atreve a no pensar como ellos. Aqui teneis una entrevista y momentos de los ensayos...



Frente a estas pasiones "sociales" y que podemos comprender, debemos contraponer las pasiones "antisociales", las "perversiones", como las que sufre Salome. Aun más interesante si alguien como David McVicar, plantea la acción, en el Saló Passoliniano, con lo que ello conlleva: Muerte, pornografía, pederastia, perversión, pasiones desbordadas, etc...

Salome no es una fabula infantil, es el retrato de la sangre, de la violencia, de la adolescencia anómala, de los impulsos más profundos frente a la represión que sufre por ejemplo el Bautista. De ahí que a McVicar le saliera un trabajo tan interesante y tan estético a la vez, sin que esta vez este elemento perjudique a la dramaturgia, sino al contrario lo realce y lo erotice. Y si además cuentas con Nadja Michael pues fenomenal y mucho más erótico... He aquí un video de los ensayos que recoge la escena de la danza y la posterior muerte del Bautista, verdaderamente interesante, pues vemos a McVicar trabajar. Ahora que hay un detalle que me encanta, y es que mantiene ese toque neurótico -heredado de la tradición cristiana- que le induce a Salome a lavarse antes de bailar y de ejecutar el brutal acto necrófilo. Es una purificación a priori antes de mancharse de sangre, un acto inconsciente que marca mucho.



A disfrutar y mañana más!!!!

lunes, 24 de marzo de 2008

MAESTRO, MAESTRO...


Queridos lectores, aqui va mi crónica que se la dedico a mi queridísimo Jago, que esta tarde hubiera vibrado como yo... 

Domingo de Resurrección en la plaza de la Malagueta. A las 5’30, empezaba a sonar la música del paseillo y los alguacilillos, avanzaban para pedir la venia a la presidencia. Concedida, avanzaron los tres diestros, en el medio el MAESTRO, D. JOSÉ TOMÁS (lo escribo en mayusculas por la admiración y devoción que le profeso), el torero más grande que hay en este momento….Lleno de no hay billetes en los tendidos para ver el segundo festejo del día. 



Como viene siendo habitual, la mayor parte de la expectación la había levantado DON JOSÉ TOMÁS. En la historia de la humanidad, hombres que hayan estado dispuestos a dar la vida por aquello que creen y defienden han habido pocos, muy pocos. José Tomás es uno de ellos. Eso es muy grande. 



José Tomás hizo el paseíllo esta tarde en la Malagueta con la intención de demostrar que vive por y para el toreo. Y así lo demostró. En el primer toro de la tarde ya había empezado la locura entre los que estabamos de público, en la Malagueta, con un quite por gaoneras ajustadísimo, que puso a la plaza en pie. Olvidandonos de Manolo Sánchez y su posterior faena. 
BRAVO MAESTRO, Y GRACIAS POR TODO!!!! 



Comenzaba la primera faena del MAESTRO, quien recibió al primero de su lote por verónicas y siete chicuelinas de cartel. Con la muleta comenzó con unos estatuarios desde el centro, y aunque no tuvo la rotundidad de otras ocasiones, la faena estuvo cargada de emoción y transmisión. La cosa, que iba de más a menos, volvió a calentarse con el cierre de faena con unas manoletinas de infarto –mi madre tenía que taparse los ojos, temiendo que cogieran al diestro de Galapagar-, una estocada un poco trasera, un descabello y una oreja, con fuerte petición de la segunda, pero la presidencia se resistió. 
Desorejó a su segundo toro, un toro complicado y peligroso, de embestida incierta, ante el que el torero se mostró firme y seguro. Recibió varios sustos y una fea voltereta de la que salió herido, pero eso no le importó. Se levantó y cogió la muleta para seguir. La Malagueta era un clamor y a gritos de ¡torero, torero! Se marchó el MAESTRO a por la espada. El complejo comportamiento del animal provocó en varias ocasiones el desarme del diestro, pero aun así, consiguió sacarle magníficas tandas, en una faena basada en la mano izquierda. Él demostró la pureza, la quietud, el valor, la liturgia, la profundidad de su toreo y un estoconazo hasta la bola, las dos orejas ya la enfermería. La plaza enloquecimos, pero enloquecimos... BRAVO MAESTRO!!! 



Cayetano Rivera no tuvo suerte en el primero de su lote, ya que en esos momentos el viento pegaba con más fuerza. Era un toro de embestida brusca, que iba y venía y huía del engaño. Que no mostró nobleza, y para colmo él estuvo mal con la espada (6 intentos contados) y fatal con el descabello.El último fue el peor de la tarde. De embestida muy corta y con varias peligrosas coladas, el torero pronto cogió la espada y lo despachó, ganándose protestas de gran parte del público –entre ellos medio tendido, y yo- mientras que mi hermana veía con pena a su diestro favorito. 

Manolo Sánchez, que abría cartel, pasó sin pena ni gloria por la Malagueta. En el primero no pudo mostrarse seguro ante un ejemplar justo de fuerzas y de corto recorrido, aunque puso buena voluntad. Su segundo toro fue de poca fuerza y muy parado. Tenía que llevarlo a media altura porque se caía, y cogió la espada de matar pronto. Dos pinchazos, media y descabello. Silencio en la Malagueta… 

HOY SE HA VISTO TOREO DE NIVEL, AL MAESTRO, AL MAESTRO DE MAESTROS CON EL CAPOTE Y LA MULETA!!!! De verdad, ha sido una tarde histórica, de las que solo te da José Tomás. Un viejecito que tenía al lado, me contó que vió a Manolete y que para él este era Dios, pero su representante en la tierra era D. José Tomás.

sábado, 22 de marzo de 2008

Mañana a ver al maestro José Tomás...






Ya tengo la entrada... Tan solo 24 horas, para ver al MAESTRO!!!!

jueves, 20 de marzo de 2008

Tamerlano en Munich

Queridos lectores, hoy os traigo, una entrevista a David Daniels e Ivor Bolton sobre el montaje de Pierre Audi de la ópera Tamerlano en la Bayerische Staatsoper, el paraiso del barroco europeo...




En breve el Tannhäuser prometido y un Orfeo de Graun para Ceph... Perdón por el retraso, pero estamos en una semana un poco "apretaa".

miércoles, 19 de marzo de 2008

Dir töne Lob! Die Wunder sei'n gepriesen...







Tannhäuser [in höchster Verzückung]
Dir, Göttin der Liebe, soll mein Lied ertönen!
Gesungen laut sei jetzt dein Preis von mir!
Dein süßer Reiz ist Quelle alles Schönen,
und jedes holde Wunder stammt von dir.
Wer dich mit Glut in seinen Arm geschlossen,
was Liebe ist, kennt er, nun er allein: -
Armsel'ge, die ihr Liebe nie genossen,
zieht hin, zieht in den Berg der Venus ein!
[Allgemeiner Aufbruch und Entsetzen]

Menos de un mes para el Tannhäuser de Carsen...

PD: Se que no es la mejor foto para Semana Santa, pero no podía resistirme

lunes, 17 de marzo de 2008

Calixto habla de su "Tirant lo Blanc"...



Bravo por Calixto por preocuparse por buscar nuevos lenguajes y nuevas formas de expresión en el siglo XXI!!!

Brava también por la protagonista, Begoña!!!

Tibet...

El Gobierno chino dice que no utilizó armas contra los manifestantes del Tíbet
Los autores de los disturbios causaron más de 300 incendios en zonas residenciales
El Dalai Lama acusa a China de cometer un 'genocidio cultural' en el Tíbet



Una manifestante pide la ayuda del Dalai Lama. (Foto: AP)
Actualizado lunes 17/03/2008 07:12 (CET)

REUTERS EFE
PEKÍN.- Las Fuerzas de Seguridad chinas no utilizaron armas mortales contra los activistas y manifestantes que organizaron las protestas a favor de la independencia del Tíbet en Lhasa, la capital de la región autónoma, según ha dicho el presidente tibetano, Qiangba Puncog.

"Puedo decir con toda seguridad que no utilizamos armas letales, ni tampoco abrimos fuego", señaló Puncog durante una rueda de prensa celebrada en Pekín, añadiendo que tan sólo lanzaron a los manifestantes gas lacrimógeno y manguerazos de agua.

Trece "civiles inocentes" fueron quemados o apuñalados hasta morir en los disturbios del pasado viernes en Lhasa, informó el presidente tibetano.

Para Puncog, las revueltas fueron premeditadas, organizadas y planeadas por "fuerzas externas y comandos domésticos" de la "camarilla del Dalai" y han causado "un daño muy importante" al orden legalmente establecido en Lhasa.

Puncog, citado por la agencia estatal china Xinhua, aseguró en rueda de prensa que los autores de los disturbios causaron más de 300 incendios en zonas residenciales y tiendas, además de destrozar 56 vehículos y 214 tiendas.

Los disturbios además hirieron a 61 policías, de los que seis están graves.

El presidente tibetano, actualmente en Pekín, aseguró tras dar las cifras que la población de esa región "luchará firmemente contra el separatismo, a favor de la patria unificada, y en pos de mantener la estabilidad social".

También afirmó que "cualquier intento secesionista de sabotear la estabilidad del Tíbet no recibirá el apoyo del pueblo y está condenado al fracaso".

Según la prensa oficial, la electricidad ha vuelto a la capital tibetana, donde las protestas iniciadas el 10 de marzo, en coincidencia con el 49 aniversario de la revuelta contra el régimen comunista chino, alcanzaron sus momentos más violentos el pasado viernes.

Aunque las informaciones son contradictorias, parece que los disturbios se originaron a raíz del maltrato a los monjes que se manifestaron el 10 de marzo, lo que originó la ira de la población tibetana hacia los chinos de la mayoría han (mandarín) que según ellos "colonizan" Lhasa y otras ciudades del Tíbet.

El Dalai Lama aprovechó los graves incidentes para acusar a China de cometer un "genocidio cultural" en el Tíbet, algo que el presidente tibetano calificó de "ridículo".

Según Puncog, Dalai y su "camarilla" califica los disturbios de "manifestaciones pacíficas", y los esfuerzos de volver al orden de "represión", algo que según el presidente del Tíbet confunde a la opinión pública.

Las autoridades chinas han pedido a los causantes de los disturbios que se entreguen antes de la medianoche de hoy, lunes, o de lo contrario actuarán contra ellos con todo el peso de la ley.

FUENTE: EL MUNDO
http://www.elmundo.es/elmundo/2008/03/17/internacional/1205724144.html

viernes, 14 de marzo de 2008

Semana santa desde hoy...



Pues si, hoy empezamos la Semana Santa, además estoy liaillo, perdondad que no me expanda más. Mañana intentaré subir Tannhäuser, y escribir algo más...

A disfrutar!!!

martes, 11 de marzo de 2008

Que l'enfer, la terre et les cieux, que tout l'univers favorise, le fils du plus puissant des lieux!


Queridos lectores, seguimos con el programa de subidas dedicadas. Ahora pasamos de Wagner (al que volveremos pronto con el Tannhäuser), al barroco francés, más concretamente al de Jean Baptiste Lully y su ópera Persée, dedicada a Agatarco, en esa extraña fiebre barroca que le ha entrado, especialmente con Monsieur Lully, juas, juas, juas...

Así que vamos, Persée es una tragedia lírica, que no ópera, con música de Jean-Baptiste Lully, y libreto de Philippe Quinault, y que fue estrenada primeramente en el Palacio de Versalles y luego en la Ópera de París en abril de 1682.

La ópera está basada en el mito griego. La obra relata la relación entre Perseo y Andrómeda, aunque el primero es amado secretamente por Merope. Para poder obtener el amor de Andrómeda, Perseo debe ir en busca de la cabeza de Medusa, un monstruo cuya mirada convertía a los hombres en piedra. Con la ayuda de Hermes (Mercurio), mensajero de los dioses, Perseo mata a Medusa y obtiene la mano de Andrómeda.



Curiosamente el personaje principal, Perseo, canta muy poco en la obra, no más de quince minutos en total, pese a que toda la obra gira en torno a él. Esto porque buscaba representar al propio rey Sol, Luis XIV, a quien está dedicada, quien simboliza la estabilidad y el orden contra las fuerzas enemigas que en ese entonces amenazaban Francia.

La graabción que ofrezco, tiene a un gran especialista en estas lides dirigiendo el asunto, el francés Christophe Rousset con sus Talens Lyriques. En el reparto vocal se cuenta con especialistas solventes, como el haute-contre británico Paul Agnew, la soprano Anna Maria Panzarella y el baritono Jérome Correas. También andan por ahí el tenor Robert Getchell y el taille Laurent Slaars.

Persée
Jean-Baptiste Lully

Persée Paul Agnew
Andromède Anna Maria Panzarella
Une Nymphe guerrière Anna Maria Panzarella
Céphée Vincent Billier
Un Ethiopien Vincent Billier
Un Cyclope Vincent Billier
Idas Vincent Billier
Cassiope Monique Simon
Imène Monique Simon
Mérope Salomé Haller
La Fortune Salomé Haller
Phinée Jérôme Corréas
Un Ethiopien Laurent Slaars
Mercure Robert Getchell
Megathyme Robert Getchell
La Vertu Béatrice Mayo Felip
Vénus Béatrice Mayo Felip
Amour Béatrice Mayo Felip
Sténone Bruno Rostand
Un Triton Bruno Rostand
Méduse Laurent Slaars
Phronime Laurent Slaars
Le Grand-Prêtre Laurent Slaars
Un Ethiopien Jérôme Corréas

Les Talens Lyriques
Christophe Rousset

http://rapidshare.com/files/98785554/PERSEE-Lully.zip.001.html
http://rapidshare.com/files/98793703/PERSEE-Lully.zip.002.html

A disfrutarlo y que los dioses del Olimpo os sean propicios...

lunes, 10 de marzo de 2008

La prohibición de amar

Queridos lectores, hoy os traigo por petición de Larrel, la primera ópera que estrenó Richard Wagner, y que fue la segunda de su producción operística, Das Liebesverbot (La prohibición de amar). Wagner la tituló como Große komische Oper in zwei Akten, es decir Gran ópera cómica en dos actos.
Algunas anecdotas de la obra, que nos cuentan John Deathridge y Carl Dalhaus, en su libro Wagner:
Aunque tuvo problemas, pues antes de dirigir el estreno de Das Liebesverbot, Wagner intentó que la obra fuera aceptada por teatros de Leipzig, Berlín e incluso por la Opéra-Comique de París. No es cierta, dicho sea de paso entre paréntesis, la afirmación de Wagner en Mi vida, según la cual había tenido que cambiar el título de la ópera por orden de la policía. Tal como prueba un documento de los Archivos de Bayreuth, provisto de sello oficial, las autoridades no opusieron la más mínima objeción. Wagner tituló públicamente la ópera Die Novize von Palermo y cambió el género a «gran ópera en lugar de «gran ópera cómica», probablemente por la sencilla razón de que, debido a apremios de tiempo, se vio forzado a dirigir la obra en la semana de Pascua de Resurrección. (...) Tras dirigir su ópera, Wagner, escribió una reseña anónima para la revista de Schumann, Neue Zeitschrift für Musik, donde decía de su propia obra: “contiene mucho de lo que a mí me gusta... En ella hay música y hay melodía, y esto es algo que en nuestras óperas alemanas nos resulta harto difícil de encontrar”. » Y es que es cierto, porque la ópera se deja querer desde el voluptuoso preludio...

La sinopsis de esta ópera y el libretto, los podeis encontrar en la web de DIVERDI.

Esta grabación que os ofrezco es referencial. Grabada en Munich, bajo la dirección de Wolfgang Sawallisch, subió a escena con una puesta de Jean Pierre Ponelle en el año 1983, para conmemorar el 100 aniversario del fallecimiento de R. Wagner. El reparto cuenta con voces como Hermann Prey, protagonista absoluto de la noche, Sabine Hass como una estupendisima Isabella, el baritono Keith Engen como Angelo o la Mariana de Pamela Coburn.

Das Liebesverbot
Richard Wagner

Friedrich Hermann Prey
Luzio Wolfgang Fassler
Claudio Robert Schunk
Antonio Friedrich Lenz
Angelo Kieth Engen
Isabella Sabine Hass
Mariana Pamela Coburn
Brighella Alfred Kuhn
Danieli Raimund Grumbach
Dorella Marianne Seibel
Pontio Pilato Hermann Sapell
Orquesta de la Ópera del Estado de Baviera
Coro de la Ópera del Estado de Baviera

Wolfgang Sawallisch (1983)

A DISFRUTAR LA PRIMERA ÓPERA QUE ESTRENÓ WAGNER!!!!!

domingo, 9 de marzo de 2008

Elecciones 2008, con un resultado nada bueno...

Cuatro años más de sufrimiento y kaos con el titiritero...





Gracias por todo, Mariano, has hecho un trabajo francamente bueno...

sábado, 8 de marzo de 2008

Muchos recuerdos me trae esta función...



Loado seas en los cielos y en la tierra Onegin... Y es que es cierto, esta función me trae muchisimos recuerdos, fue la primera Walkiria que vi en teatro y claro eso marca... Además fue la primera vez que vi a Placi y a la Meier, una noche para no olvidar jamás.

Meier y Placi gloriosos!!!!

L'année dernière à Marienbad




No hay palabras para describirlo

jueves, 6 de marzo de 2008

Boulez por cojones... (1)

Tres momentos Walkiricos...







Dedicados a la tuerta Eboli, que es la única que tiene idea...

miércoles, 5 de marzo de 2008

De Frikadas varias...

Queridos lectores, hoy ha sido un día agitado. Agitado, no porque haya supuesto un "hito" o algo por el estilo, sino porque he estado trabajando más de lo normal, y ya sabeis que yo soy un vaaaagooooo!!!

En primer lugar he estado en el museo de artes populares y costumbres investigando sobre el memento mori y la fotografía postmortem. Y todo por la asignatura de Juanjo Padial, Historia de la Antropología, que nos ha hecho convertirnos en autenticos antropólogos e investigar sobre aspectos de la vida cotidiana del siglo XIX y XX. Y ¿Qué he sacado en claro? Pues mucho, pero es tanto, que prefiero dedicarle una entradita cuando tenga mis notas pasadas a limpio... Ah y prometo fotos, juas, juas, juas!!!

La segunda cosa, también es filosófica, y es que vamos a escribir y leer por iniciativa popular la Ethica more geometria demostrata de Baruch de Spinoza. Para eso hemos creado SPINOZA, GRUPO DE TRABAJO. Si os gusta la filosofía, y los desvarios que podamos hacer, no dudeis en pasaros por allí. Estando servidor implicado podeis esperar de todo, juas, juas, juas...



Por último quiero dedicarle una zarzuela con tintes verdianos (vease el final de la pista 3) a Agatarco, que se lo merece, por razones varias, jejejeje... Y pido disculpas por no subir la Juive, pero algo de vagancia tenía que tener despues de un día duro y rallante...

Se trata del Chaleco Blanco de Federico Chueca. Esta obra se estrenó en el Teatro Felipe de Madrid, el 26 de junio de 1890. Esta obra surgió de una apuesta entre nueve libretistas realizada en el Círculo Artístico-Literario, calle Alcalá, la noche del 15 de enero. Vital Aza propuso a sus contertulios una apuesta por la que cada uno se comprometía a escribir un sainete en el plazo de un mes sobre un título obtenido por sorteo entre los varios propuestos. La única condición era que el trabajo debería realizarse en un mes y el que no lo consiguiera debería pagar el almuerzo y la cena de los demás durante una semana. El chaleco blanco le correspondió a Miguel Ramos Carrión y es la única obra de esta singular competición cuya popularidad ha pervivido hasta el presente, gracias a la partitura de Federico Chueca.

La obra comienza en una casa de huéspedes de Madrid a finales del siglo pasado. Esta casa es propiedad del matrimonio formado por doña Casta y Pérez. Su hija Tecla está enamorada de David, uno de los huéspedes, músico pobre que se dedica a tocar el piano por los cafés de la ciudad. Su amor se ve truncado cuando los dueños de la casa reciben el aviso de la llegada de un joven que acaba de heredar cinco mil duros de su padre. Doña Casta, mujer fría, egoista y calculadora, decide echar a David y ceder su sitio al nuevo heredero, para propiciar una boda entre éste y su hija. Pérez y Tecla son los encargados de dar la noticia a David. En medio de todo aparecen los otros huéspedes: Don Ventura, un comilón empedernido y don Quintín, un cesante empeñado en mantener las apariencias y el estilo de vida que pareció gozar en algún momento anterior.

Entretanto, se da a entender que don Quintín ha cogido unas prendas de don Ventura para acudir a una cita con el Ministro de Ultramar, que le va a proporcionar un empleo. David, que se ha marchado de la casa sin recoger sus ropas, regresa enseguida muy excitado porque ha visto en la prensa que le ha tocado el gordo en la lotería y había dejado el billete en un chaleco blanco. En ese momento Pérez se da cuenta que había dado el chaleco a Rosa, una lavandera que hace su colada en el Manzanares y todos salen corriendo en su busca, con la esperanza de llegar a tiempo. Todos acuden a casa de Rosa, para que el Portero les indique el lugar exacto del río donde suele ponerse la lavandera.

A orillas del Manzanares se congregan lavanderas, vendedores ambulantes y hasta unos cornetas del regimiento. Finalmente doña Casta, Pérez, Tecla, David y don Ventura encuentran a Rosa, pero toda su ilusión se desvanece cuando ésta les dice que ha echado la colada en lejía. En el último momento aparece don Quintín y David se da cuenta de que lleva puesto su chaleco, con lo que recupera su billete de lotería y con él, toda su felicidad.

En lo musical hay que destacar que el preludio con el que se inicia la obra se convierte pronto en un agradable vals, Seguido de un breve número tarareado. El primer número cantado es un diálogo jocoso entre el tenor cómico y la soprano al que la música sirve más de fondo que de acompañamiento. Continúa con una elegante mazurka para convertirse pronto en un trío. El siguiente número desemboca de repente en el tema "De quella pira" de Il Trovatore de Verdi, aquí trastocado en "Décimo mío, corro a salvarte". No parece que la aparición de este tema tenga otro motivo que despertar la sorpresa del público. El resto de los musicales de la obra son partes corales. El primero corresponde al coro de lavanderas, siguiendo un coro general de lavanderas y soldados con los pregones del bollero de fondo. El último número es el coro de los soldados que regresan a su cuartel. Una brevísima repetición del motivo del pasodoble constituye el final de la obra.

Federico Chueca
EL CHALECO BLANCO
Libreto de Ramos Carrión

*ALHAMBRA (LP)
Dirección: Ataulfo Argenta
Ana María Iriarte, Gerardo Monreal, Joaquín Portillo.
Coros Cantores de Madrid. Gran Orquesta Sinfónica.

http://rapidshare.com/files/97172089/El_Chaleco_Blanco.rar.html

A disfrutar, y dejadme ser un vago, un vago de los grandes!!!! Juas, juas, juas!!! Portaos bien...

martes, 4 de marzo de 2008

El Tannhäuser liceístico se acerca....



Uyyy, que ganas de verlo en Barcelona... Por ahora solo puedo esperar y escuchar esta maravilla wagneriana, juas, juas, juas. La Overtura-Ballet es soberbio, para caerse presa de un extasis...

PD: Ahora que tengo el ordenador "arreglado" vuelvo a la normalidad. Así que mañana una Juive en alemán para el amigo Tucker y pasado un Serse in English para Sharpless.

lunes, 3 de marzo de 2008

Ha muerto Pippo...


RIP


A UNO DE LOS CANTANTES MÁS IMPORTANTES DEL SIGLO XX


No hay palabras despues de enterarse de esto... Pippo serás grande por siempre!!!

domingo, 2 de marzo de 2008

Próximamente el proyecto K2

Queridos lectores, próximamente el proyecto K2 hará aparición en este Blog. En esto de los proyectos multimedia no puedo negar que me he inspirado en Christoph Schlingensief. Ya vereis, ya vereis...



Permanezcan atentos a sus pantallas y se sorprenderán...

Más Lohengrin...

Queridos lectores, de una parte aquí me ha dado por Lohengrin, me parece tan, tan... Y especialmente dos momentos del acto I, cuando Elsa pide ayuda y clama al cielo, y el impresionante final en el que Lohengrin vence a Telramund. Hoy os ofrezco ese final, cantado por Kollo, Tomova-Sintow, Nismgern, Vejzovic y Ridderbusch. Dirige el tito Herbito, con una marcialidad esplendida... Solo falta imagen, juas, juas, juas



PD: Tengo el ordenador roto y no se hasta cuando... Cuando el capullo de la tienda me lo devuelva arreglado, os prometo un Serse de lujo, para Sharpless con Lorraine Hunt y David Daniels en el 96 y en ingles. Esperad, esperad que merece la pena.

PD2: Alguien me psiconanaliza, para encontrar el porque de mi gusto temporal por Lohengrin????